Cinecrítica

Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio

2011-12-29T06:06:00.000-08:00

Realizar una película deentretenimiento puro no es sencillo. Son pocos los grandes directores que searriesgan a filmar guiones que no pretenden descubrir, o interpretar, elsignificado de la vida. Entre quienes lo han intentado, sin duda alguna, StevenSpielberg es el que mejor lo hace.

Utilizando la técnica “MotionCapture” (en la que por medio de sensores adheridos al cuerpo de un actor realse capturan sus movimientos, para luego convertirlos en animación), Spielbergfinalmente adaptó a la pantalla grande el cómic del caricaturista belga Hergé.El resultado es: “Las Aventuras de Tintín: El secreto del unicornio”. Dicen queel proyecto dio vueltas en la cabeza de Spielberg desde los años ochentas delsiglo pasado.

La primera entrega de lasaga del joven periodista es aventura y entretenimiento de principio a fin. Son109 minutos, incluidos los créditos (con leves desmayos), de disfrute visual.

La acción se inicia a partirde que Tintín compra un pequeño barco, previo regateo, en un mercado callejero.Resulta que la nave es pretendida por otras personas, quienes ofrecen al periodistamás dinero del que pagó; de inmediato entiende que el recién adquirido juguete esespecial y se niega a venderlo. En efecto, algo se esconde en el navío, y losinteresados no pararán hasta obtenerlo.

Se trata de la clásicahistoria de resolución de un misterio, en donde el héroe hace gala de suvalentía e ingenio para adelantarse al villano de turno. La cinta conserva elespíritu de las tiras cómicas que aparecieron a partir del segundo tercio delsiglo XX, de hecho el cómic original circuló entre los años treinta y finalesde los setentas.

La habilidad de Spielbergpara fabricar productos de entretenimiento es innegable, tampoco se puede negarque tiene la suficiente maestría para construir universos y conseguir que elespectador se sumerja en ellos.

A medida que el filme avanzaaparecen personajes como: el capitán Haddock, quien se convertirá en elpersonaje central del misterio; Zakharine, el villano; Hernández y Fernández,los detectives de la Interpol, quienes “ayudarán” a encontrar la solución;entre otros; sin faltar, por supuesto, el fiel amigo de Tintín, el híper activofox terrier Milú.

“El secreto del unicornio” esun festín de imágenes. Producciones como esta hacen que se agradezca laexistencia de la tecnología 3D. La sucesión de escenas en tiempo presente yotras en flash back, son capaces de producir en los mayores una especie de “efectoRatatouille visual”, por medio del cual la imaginación se transporta a lainfancia. Para los pequeños, o para quienes no estén familiarizados con Tintín,se da la posibilidad de acceder a un mundo de entretenimiento y humor.

Echando mano de todo suoficio, ayudado por la tecnología; apoyado en un excelente guión de: StevenMoffat, Edgar Wright y Joe Cornish; y acompañado puntualmente por la música deJohn Williams, Steven Spielberg logra una película que vale la pena ver. Nofaltarán quienes digan que le falta profundidad, o los puristas quereclamen que no es fiel al original; cosas innecesarias cuando deentretenimiento se trata.

Calificación 9/10.

El árbol de la vida

2011-10-07T08:02:00.000-07:00

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La vida es hermosa, la vida es trágica; la vida es poética, la vida es prosaica; la vida es luminosa, la vida es sombría. No es cosa de anclarse en la lucha entre el bien y el mal, es cosa de comprender que el ser humano deambula en el mundo balanceándose entre los extremos.

Utilizando las figuras religiosas como metáfora se puede decir: a veces se vive en el infierno, otras se alcanza el cielo, la mayor parte del tiempo se habita el limbo.

Cuando el cine es el medio que un artista elige para expresar su particular visión de la vida, las películas alcanzan nivel de arte. Es el caso de Terrence Malick, cineasta estadounidense, nacido en Waco, Texas, en 1943, quien en cuatro décadas, a pesar de solo haber llevado cinco títulos a la pantalla, ha logrado crear una sólida filmografía, en la que expone sus puntos de vista sobre la vida, la muerte, la naturaleza, la culpa, y otras preocupaciones de la existencia humana.

Obsesivo hasta la extenuación, el tejano suele filmar y luego sumergirse durante años en el trabajo de post-producción, en donde moldea lo que luego se verá en pantalla.

En el festival de Cannes 2011 estrenó “El árbol de la vida”, ganando la Palma de oro. La historia se desarrolla en los años cincuentas del siglo pasado, en Texas. La acción se centra en el comportamiento de una familia promedio de la época: padre trabajador y autoritario, madre dedicada al hogar, hijos oprimidos.

Se trata de un filme conceptual, en el que Malick hace un ensayo sobre el origen del comportamiento actual de la sociedad estadounidense, y por extensión del ser humano.

Aparecen como protagonistas Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain y Hunter McCracken; todos sólidos en su interpretación; sin embargo, no son las actuaciones la parte principal, lo que el director dice por medio de las imágenes es lo que merece ser resaltado.

Los primeros minutos de la cinta son una especie de prólogo, en el que Malick bombardea con imágines aparentemente caóticas, pero de ese caos surge la poesía, lirismo cinematográfico en su máxima expresión.

El resto es más imágenes, algunos diálogos y voz en off, este último elemento constituye el sello de Malick.

“El árbol de la vida” golpea la sensibilidad y conduce a la reflexión, es una producción de las quedan dando vueltas en la cabeza y nunca se van. Es una piedra más en esa montaña, a veces difícil de escalar, que constituye la obra de un cineasta enorme.

No hay concesiones hacia el espectador, es simplemente la necesidad de decir que todo artista tiene.

Calificación 10/10

Super 8

2011-08-16T15:19:00.000-07:00

Cuenta Steven Spielberg que cuando era pequeño su padre le regalaba trenes de juguete. Su mayor afición era hacerlos chocar y terminaba destruyéndolos, por eso lo amenazaron con ya no comprarle más; entonces se le ocurrió filmar la colisión y de esa manera perpetuar la emoción que sentía al ver volar las locomotoras.

Aquel juego de niños perduró en la mente del cineasta y finalmente, con la ayuda de J.J. Abrams, lo llevó a la pantalla grande.

Aunque en los créditos de Super 8 aparece Abrams como guionista y director, la mano de Spielberg, y su historia personal, son el leitmotiv de la cinta.

Los hechos ocurren en un pueblo de Ohio, durante el verano de 1979. Sucede que un grupo de adolescentes está filmando una película y en el momento de la escena cumbre, ambientada por un tren que pasa, se da un acontecimiento que vendrá a alterar la tranquilidad del pueblo.

Se trata de un guión sencillo, lineal, que no da lugar a dobles interpretaciones, la película es lo que se ve en pantalla.

El relato tiene fisuras y a los personajes les falta desarrollo, tanto que durante la mayor parte del metraje no se entienden sus motivaciones; sin embargo, se trata de una película entretenida, emparentada con E.T.

Los papeles principales están a cargo de: Joel Courtney, Kyle Chandler, Amanda Michalka, Elle Fanning, Ron Eldard, Noah Emmerich, Zach Mills, Ryan Lee. En el reparto sobresalen los niños, su actuación es natural y, por momentos, conmovedora, todos realizan trabajos creíbles.

En el apartado de los efectos especiales y otras categorías técnicas, como la edición de sonido, no hay desperdicio, son lo mejor de la producción.

Super 8 es un filme que combina escenas trepidantes con otras de ritmo lento, a veces aburrido; puede calificarse de básico, lo que haría cualquier director principiante con una millonada de dólares. Algo para pasar un rato divertido.

J.J. Abrams fue el creador, y destructor, de la más atractiva serie de TV de los últimos años, Lost. Su colaboración con Steven Spielberg no lo hará ser recordado como gran director, habrá que esperar un siguiente trabajo, para saber si alguna vez dará argumentos válidos para soportar su fama.

Calificación 6/10

La flor de los cerezos (2008)

2011-08-04T13:51:00.000-07:00

Durante los años de vida difícilmente alguien hace todas las cosas que se propuso, o que soñó. Al final quedan metas incumplidas y sueños sin realizar.

En lo íntimo, cada persona atesora cosas que quisiera lograr; así se puede ver en la película de Doris Dörrie.

Una pareja de adultos mayores viven sin la presencia de los hijos, en el mismo pueblo de toda su vida. Él está habituado a la rutina y no le interesa cambiar; ella se acomoda, pero atesora la intención de conocer Japón. Inesperados sucesos los obligarán a realizar un viaje que cambiará todo.

Cinta de corte intimista, con pasajes de bien logrado lirismo. Su hermosa fotografía consigue recrear los bucólicos colores de la Alemania y el Japón rural, con lo que la directora logra un delicado ejercicio fílmico. Tiene en contra que la estructura narrativa está fracturada y los personajes no alcanzan total desarrollo.

Calificación 7/10

Biutiful

2011-06-27T11:14:00.000-07:00

Para retratar el dolor humano hay que tener mesura y respeto. Es cierto, hay muchas historias de la vida real en las que el personaje sufre más que Job, pero aun en los mayores excesos de sufrimiento existe un resquicio para la felicidad.

La filmografía de Alejandro González Iñárritu es la constante puesta en evidencia del dolor humano, llevada hasta el paroxismo. La obsesión con el sufrimiento lo hace caer en el exceso, y algunas veces mal gusto.

Terminada la relación con Guillermo Arriaga, el guionista de sus tres primeros trabajos, Iñárritu confecciona el guión de “Biutiful”, con la ayuda de Armando Bo y Nicolás Giacobone.

La película tiene como principal protagonista a Uxbal (Javier Bardem), un tipo que tiene dos hijos, una ex mujer conflictiva, un hermano mafioso, varios socios criminales y una enfermedad terminal.

Ambientada en una Barcelona que parece sacada de un cuento de Naguib Mahfuz, en donde no hay lugar para exhibir obras de Gaudí o las pintorescas ramblas. El director opta por ¿recrear?, ¿inventar?, un submundo poblado de inmigrantes africanos y explotadores asiáticos, toda una postal de la desesperanza.

El mexicano confirma que no le tiembla el pulso a la hora de mostrar la miseria humana y que filme tras filme adquiere maestría en su oficio. La propuesta visual es de gran calidad.

El mayor logro de la cinta se encuentra en la actuación de Javier Bardem, quien demuestra, una vez más, ser uno de los mejores intérpretes de la actualidad. Su performance tiene diversos matices, soportados en un tremendo despliegue de expresión facial y corporal, acentuado con el tono de voz. Hay escenas en las que sobreactúa, víctima de los agujeros del guión, pero en el conjunto logra salir avante.

La película tiene todos los elementos para llegar a ser una obra mayor; sin embargo, González Inárritu la conduce a un extremo demasiado oscuro, hasta caer en el exceso, situación que termina destruyendo lo que con una mano bien había construido.

El problema radica en que el guión tiene diálogos forzados y artificiales, escenas rebuscadas; secuencias gratuitas, que lejos de aportar solo afean la historia. Es evidente que el Alejandro González Iñárritu guionista está muy lejos del que sabe dirigir.

La cinta no naufraga debido a la participación de Bardem, pero el resto llega a ser insoportable, considerando que el metraje se extiende hasta las dos horas y veinte minutos, demasiado tormento para personajes y espectadores.

El director mexicano es de lo más interesante en el panorama actual, pero sus posibilidades están sobrevaloradas, quizá sea buen momento para que haga introspección y no se deje llevar por las nominaciones a premios.

“Biutiful” tiene grandes defectos, habrá que esperar a la próxima, para ver si finalmente sale a luz el gran cineasta que asomó la cabeza en los primeros minutos de “Amores Perros”.

Calificación 6/10

Pi, el orden del caos (1998)

2011-05-24T09:41:00.000-07:00

Max Cohen es un matemático empeñado en despejar una ecuación que demostrará que el caos responde a un orden, o patrón. Debido a la investigación se encierra en su apartamento y rara vez sale a la calle; cuando lo hace evita el contacto con otros humanos. Sin quererlo se ve inmerso en una trama de conspiración, pues dos grupos radicales pretenden apoderarse del resultado de la investigación.

La cinta es del director Darren Aronofsky, quien en varios de sus trabajos ha demostrado que lo interesa penetrar y explicar las partes oscuras de la mente. En “PI”, el personaje principal se obsesiona al grado de llegar a perder el sentido de la realidad.

Aronofsky realiza un filme estridente, de contenido visual estrambótico, casi rozando lo caótico; pero da muestras de saber lo que hace, porque el resultado, aunque ambiguo, tiene coherencia. Los puntos de contacto con “Black Swan” son interesantes.

Calificación 7/10

Trenes rigurosamente vigilados

2011-04-13T10:23:00.000-07:00

En una estación de la antigua Checoslovaquia, durante la II guerra mundial, pasan los trenes que transportan pertrechos y tropas para los alemanes. Ahí trabajan personas que saben de la guerra, pero no están inmersas en ella. Seres humanos viviendo a su modo, preocupados más por las experiencias sexuales que por las consecuencias del conflicto.

Historia de personajes caricaturescos, quienes persiguen mujeres mientras, a lo lejos, se escucha el vuelo de los aviones y el estallido de las bombas. La apuesta del director es mostrar que la condición humana se manifiesta en todo momento, así como se es violento por naturaleza, también lo sexual está siempre presente.

Cine fotografiado en blanco y negro, del que ya no se hace, con el metraje exacto para darle tamaño de obra de arte. Humor negro y escenas brillantes que retratan el absurdo de la vida y la muerte.

Calificación 10/10

Toy Story 3

2011-04-05T06:39:00.000-07:00

La etiqueta Cine comercial, hace que se vea con sospecha a todas aquellas producciones que la traen colgada. El verano estadounidense es la época propicia para estrenarlas, durante esos tres meses las salas se llenan a reventar, el negocio de las palomitas de maíz y las gaseosas se incrementa, la gente se divierte y meses después difícilmente habla de la película que vio.

No todo el cine comercial es para olvidar, menos cuando viene avalado por la marca Pixar, así lo confirma Toy Story 3, la parte final de la saga de los juguetes.

Andy ha crecido y está a punto de dejar la casa de sus padres, para ir a vivir a una residencia universitaria. La madre le pide que decida qué hará con sus juguetes, dándole un plazo perentorio, en el que debe escoger entre almacenarlos en el ático, regalarlos a una guardería o tirarlos a la basura. Los muñecos sufren, no les atrae ninguno de los tres destinos. Finalmente el muchacho los mete en una caja y los lleva a la guardería.

Lee Unkrich, el director, ha trabajado en Pixar desde el inicio, de hecho fue ayudante en el rodaje de la primera entrega. La tarea que le fue asignada se antojaba difícil. Como dicen: Segundas partes nunca fueron buenas, menos las terceras.

El mérito de Pixar radica en que, en sus historias, además del obligado toque de humor, han sabido darle personalidad y contenido humano a sus animaciones. En Toy Story 3, a los ya entrañables Woody, Buzz, señor y señora Cara de papa, agregan un considerable grupo de personajes, entre los que sobresalen Lotso, Big Baby, Barbie y Ken; cada uno, sin referirse a alguien específico, es la representación de seres que abundan en la vida real.

El filme tiene sus buenas dosis de acción, de drama, humor, incluso algunas escenas de terror o suspenso.

La historia plantea temas en los que fácilmente se cae en la trampa de la doble moral, pero el guión lo resuelve con solvencia, aunque resbala hacia el maniqueísmo; pequeña mancha en el conjunto.

Toy Story 3, es una cinta, como todas las de Pixar, orientada a disfrutar en familia. Hace mucho que ellos entendieron que son los padres quienes pagan la entrada, por ello buscan que el cine de animación sea atractivo para adultos y niños.

Calificación 8/10

The Kids Are All Right

2011-03-22T06:41:00.000-07:00

Nic (Annette Bening), es mujer trabajadora, con horario de oficina, responsable de mantener su hogar; Jules (Julianne Moore), es idealista y soñadora, incapaz de concretar cualquier proyecto que se proponga; ellas son pareja y han vivido juntas un poco menos de dos décadas. Ambas son madres. Los hijos, un joven de 15 años y una jovencita de 18, fueron engendrados por inseminación artificial, con el esperma del mismo donante. A pesar de ser una familia distinta su vida ha ido dentro de los cauces normales, hasta que los niños deciden identificar y conocer a su padre biológico.

The Kids Are All Right, que podría traducirse como Los chicos están en lo correcto, es una comedia con leves toques de drama.

Dejando de lado el contenido homosexual, y poniéndola en contexto general, la cinta padece de varios defectos, principalmente en el guión, cuya estructura es débil y artificial. Las inconsistencias se reflejan en los diálogos, la construcción de los personajes, las situaciones y los giros que la directora trata de darle; todo resulta forzado.

Lisa Cholodenko es la directora, su trabajo desaprovecha las posibilidades de la historia, su preocupación es hacer divertida una trama fuera de lo común y falla en el intento.

Las actuaciones de Annette Bening y Julianne Moore son la parte rescatable de la película. Las dos demuestran su oficio y logran sacar el máximo jugo de un argumento que debe exprimirse hasta la cáscara para encontrar la sustancia. Bening encarna a una mujer controladora, en la que se funde el doble papel de madre y jefa de familia, quien debe mezclar dureza y sensibilidad para mantener el orden. Moore es la contraparte, impredecible y caótica, capaz de emprender con toda su energía un proyecto, para dejarlo de lado poco tiempo después.

Mark Ruffalo es Paul, el padre, su actuación es buena; ante las limitaciones del guión el esfuerzo que realiza es de resaltar. Tiene en contra que le cuesta cambiar de un rol a otro, lo traiciona el timbre de voz, por ello es que varios de los personajes que ha interpretado en su carrera son parecidos.

El reparto lo completan Mia Wasikowska (Joni) y Josh Hutcherson (Laser), los chicos, ellos no se intimidan ante la presencia de las protagonistas, hacen una interpretación correcta, dentro de lo normal.

El problema de llevar conflictos familiares a la pantalla, por absurdos que sean, es que deben tener un mínimo de credibilidad, cuando sucede lo contrario el resultado es desastroso, en el caso de The Kids Are All Right los los actores apenas consiguen evitarlo.

Calificación 6/10

The Fighter

2011-03-16T06:52:00.000-07:00

El deporte que mejor representa la vida es el boxeo. La metáfora es evidente, cada ser humano es un contendiente y vivir es una lucha constante, en donde incluso los vencedores resultan lastimados.

Las producciones que tratan sobre el boxeo son abundantes, se puede decir que es el deporte más representado en la pantalla grande.

Muchos boxeadores tienen en común que son seres marginales. En la sociedad estadounidense representan el ícono del sueño americano. Entre esos personajes que buscaron en los guantes y las cuerdas la forma de salir adelante están: Micky Ward (Mark Wahlberg) y Dicky Eklund (Christian Bale), su historia fue llevada al cine por David O. Russell, el filme se llama: The Fighter.

Eklund es un tipo autodestructivo, boxeador venido a menos, su aspecto físico lo delata, presume de haber peleado contra Sugar Ray Leonard, a quien derribó y estuvo a punto de vencer; es el entrenador de Ward, su hermano, él también intenta destacar en el deporte de las narices chatas y orejas de coliflor.

La cinta exhibe su debilidad en el argumento, pues los hechos son similares a varios que fueron puestos en escena con anterioridad; es la vieja fórmula de la persona que vence las dificultades y obtiene el triunfo. No hay misterio en el guión, ni lugar para interpretaciones distintas a lo que se ve.

La trama es trillada, aun así los actores, a base de sacrificio físico e histrionismo, hacen un formidable trabajo, logrando de esta forma salvar el producto final.

Sobresale la actuación de Christian Bale. El deterioro físico al que se sometió da frutos, pero es la aproximación al personaje real lo que debe resaltarse, papel sumamente complicado; suerte para él, es la clase de interpretación que acapara las miradas de los votantes en todas las premiaciones.

Mark Wahlberg también modificó su estructura muscular, a ello agregó la habilidad de contener las emociones, para dejarlas salir al estar arriba del cuadrilátero.

Amy Adams (Charlene Fleming) y Melissa Leo (Alice Ward), completan el reparto principal, y no se quedan atrás, son el complemento perfecto, incluso en algunas escenas lucen mejor que Bale y Wahlberg. Son mujeres rudas, ellas hacen su particular pelea fuera del ring.

The Fighter es una película de estructura tradicional, apegada a los cánones, en la que el director nunca se sale del esquema, de ahí que el mérito de mantenerla a flote sea de los actores, de no ser por ellos quedaría como algo del montón.

Calificación 7/10

127 Horas

2011-03-10T08:26:00.000-08:00

Corría el año 2003, en un fin de semana de abril, cuando Aaron Ralston, tipo joven y lleno de energía, decidió hacer un viaje a Blue John Canyon, en Utah; paraje que ofrece la posibilidad de hacer una mezcla de deportes extremos, como: senderismo, montañismo, descender entre las grutas del cañón, y cosas por el estilo. Se había impuesto el reto de bajar en cuarenta y cinco minutos el tiempo del recorrido. Casi al principio de la travesía sufrió un accidente, que puso a prueba su fortaleza y deseos de sobrevivir.

La de Ralston es una historia conmovedora, el hecho que cambió su vida sucedió en poco más de cinco días, y Danny Boyle, el mismo director de Slumdog Millionaire, la llevó al cine, bajo el título de 127 horas.

La película es protagonizada por James Franco, quien a sus treinta y dos años tiene una larga trayectoria en cine y TV, aunque es a partir de 2008 que da muestras de estar llegando a la madurez como actor, el papel realizado en Milk es la prueba. Al interpretar a Aaron Ralston confirma que su carrera va en ascenso.

Franco está en la edad adecuada para aceptar personajes que le exigen modificar el físico, para dar mayor realismo a la actuación, en 127 horas lo consigue con creces, su performance es excelente y creíble, capaz de transmitir el calvario por el que atravesó Ralston.

El guión intenta sacar el máximo provecho de la situación, pero es complicado cuando lo llevado a escena sucede a una sola persona, y en un espacio reducido; no hay lugar para muchos diálogos, ni para interactuar, por eso el trabajo del actor cobra mayor importancia.

La propuesta de Boyle es arriesgada. La cinta se basa en hechos reales y es probable que muchos de los espectadores conozcan el desenlace; incluso para quienes no estén enterados es relativamente fácil adivinar el final.

El director se las ingenia para filmar un poco más de hora y media, incrustando flashbacks , proyecciones del pensamiento del protagonista, tomas abiertas, escenas en las que divide la pantalla, entre otros recursos que utiliza para crear un relato dinámico.

Visual y técnicamente el filme es redondo, aun así al terminar el metraje queda la sensación de dèjá vu. El caso es que se trata de la típica historia de sobrevivencia, por eso el esfuerzo del director se queda corto. Al final, la actuación de James Franco hace valer la cinta.

Calificación 7/10

El discurso del rey

2011-03-03T07:00:00.000-08:00

La monarquía británica ha sido, y es, fuente permanente de historias para el cine, la televisión y las revistas del corazón, algunas emparentadas con la telenovela.

La vida de la realeza, irónicamente llega a ser irreal, debido a que viven bajo estándares de educación y comportamiento distintos a los de la gente normal.

En los años previos a la segunda guerra mundial, el rey Jorge V murió y le sucedió en el trono Eduardo VIII, quien poco tiempo después, por no querer dejar su comportamiento licencioso, abdicó. El número dos en la línea de sucesión era Alberto, tipo maduro y juicioso, pero inseguro, producto de la tartamudez que lo había acompañado toda su vida; obligado por las circunstancias, fue proclamado rey, bajo el nombre de Jorge VI.

Durante muchos años, Bertie, como lo llamaban la familia y los allegados, buscó la forma de curar su afección, todos sus esfuerzos fueron inútiles, hasta que, Isabel, su esposa, contrató a Lionel Logue, excéntrico logopeda, quien finalmente lo ayudó. Con el título de: El discurso del rey, este episodio de la vida de Jorge VI fue llevado a la pantalla por el director londinense Tom Hooper.

La cinta se centra en la relación de médico paciente, y en cómo la interacción del rey con el plebeyo llegó a convertirse en legítima amistad.

No es el retrato fehaciente de una época, ni la exposición de complicadas tramas políticas, es una historia de superación de los traumas propios. Colin Firth, actor que con este papel confirma su talento, interpreta a Jorge VI, en algunas escenas contiene la emoción y el gesto, en otras libera el histrionismo, a ello agrega el excelente manejo de la dicción, para redondear un personaje que transmite la angustia que siente al hablar, tanto así que el espectador se sorprenderá moviendo los labios al mismo tiempo.

Geoffrey Rush es Lionel Logue, su trabajo es meritorio, logra crear un personaje que entiende su posición de plebeyo, y la asume, pero sabe que es alguien que tiene dignidad, y eso le permite exigir un trato igualitario.

El tercer personaje con peso en la película es la reina Isabel, interpretada por Helena Bonham Carter, ella es una actriz consistente y, aunque es muy versátil, son los papeles de época los que mejor se le dan.

El discurso del rey es un filme de escenarios bien recreados, vestuario impecable, ritmo adecuado, atinada fotografía y, por sobre todo, grandes actuaciones. Se le puede reclamar que no aprovecha las circunstancias históricas para hacer algo profundo, por eso será recordada como una producción bien hecha, pero no más.

Calificación 8/10

Black Swan

2011-02-24T11:43:00.001-08:00

El cerebro humano tiene un lado oscuro y profundo, en donde se esconden cosas que pueden asombrar a cualquiera. Cuando un director trata de bucear en ese lado oculto, siempre que lo haga bien, resultan piezas cinematográficas perturbadoras.

Darren Aronofsky es un cineasta que intenta, de forma recurrente, entrar en la mente de los personajes y exponer, en carne viva, el tormento que sufren, provocado por la actividad que ocupa su vida. Dos títulos previos, Pi, excéntrica producción acerca de un matemático y The Wrestler, formidable puesta en escena de los últimos días de vida de un luchador, son muestra de lo anotado.

La búsqueda de Arronofsky se prolonga con la aparición de Black Swan, la historia de Nina (Natalie Portman), una bailarina de ballet, obsesionada con lograr la perfección, cuya meta es obtener el papel principal en la compañía de danza en la que trabaja. Las posibilidades se abren cuando Beth (Winona Ryder), la titular, es despedida, por causa de la edad. Debe ser reemplazada y Nina sería la sustituta natural, de no ser por la aparición de Lily (Mila Kunis).

Pocos papeles dan la oportunidad a una actriz de adentrarse y desaparecer, en Black Swan sucede. Desde el primer fotograma surge la bailarina y es imposible reconocer a Natalie Portman; solo se ve a Nina y su tormento. Es un personaje complejo y de altísimo grado de dificultad, no por el deterioro físico, que salta a la vista, más por las implicaciones sicológicas y la capacidad actoral necesaria para representarlo. La interpretación de Portman tiene infinidad de matices y provoca que las emociones del espectador se acumulen, para estallar en la escena final.

La actriz israelí supera cualquier trabajo que haya hecho hasta ahora y construye un personaje iconográfico, de aquellos que ganan espacio en las recopilaciones conmemorativas.

La cinta es la representación de las diferentes etapas de la bailarina: Lily es la juventud, Nina la edad adulta, Beth el ocaso, y Erica (Barbara Hershey) la madre que se proyecta en la hija.

El guión es el talón de Aquiles del filme, quizá la intención del escritor fue dejar que el espectador decidiera qué es realidad o fantasía; en ese sentido, Arronosfky se apega al libreto y no acierta a desenredarlo.

Black Swan es una producción de gran belleza visual, el director echa mano del recurso de los reflejos, para mostrar la fragmentada personalidad de la protagonista, con lo que consigue crear ambiente de suspenso. No es una película redonda, pero supera con creces al promedio.

Calificación 9/10

Winter's Bone

2011-02-16T07:15:00.000-08:00

A pesar de los bajos presupuestos, tomando el contexto estadounidense, en donde dos millones de dólares son considerados una suma risible, el cine independiente siempre tiene algo que decir.

Winter’s Bone, la ganadora del festival de Sundance 2010, alcanzó a colocarse, con todo merecimiento, entre las candidatas al Oscar por mejor película.

Ree Dolly (Jennifer Lawrence) tiene 17 años, es hija de padre delincuente y madre enferma; tiene dos hermanos. Su progenitor es apresado y posteriormente liberado bajo fianza, ofreciendo como garantía la casa en la que viven. Días después de salir de la cárcel desaparece, la policía lo busca y amenaza con expropiar la casa, para cubrir el monto de la fianza. Ree no está dispuesta a que su familia quede en la calle y decide buscar a su padre, iniciando un viaje hacia un paisaje blanco e inhóspito, poblado de “cocineros” de metanfetaminas, quienes se refugian en lo profundo del invierno estadounidense.

La principal fortaleza de la película se encuentra en el tono narrativo que la directora (Debra Granik) le imprime. La historia adquiere preponderancia desde el primer minuto de proyección y discurre en forma pausada hasta que llega el desenlace.

Se trata de un relato humano, demasiado humano, en donde la violencia y el horror están omnipresentes, sin convertir la trama en nota roja de telenoticiero.

La fotografía del film, blanca y fría, ayuda a construir la atmósfera adecuada para el desarrollo de la acción y las locaciones constituyen el complemento ideal para los personajes.

El peso de la cinta recae sobre Jennifer Lawrence, la joven actriz demuestra que tiene la capacidad de interiorizar un personaje difícil, quien a su corta edad ha sido golpeada por la vida. Su gran trabajo de interpretación está basado en tres aspectos: la expresión facial, la versatilidad de la mirada y el timbre de voz, con ellos transmite el peso que carga. Su performance le valió para que la academia la nominara a mejor actriz principal.

El otro personaje que sobresale es el de John Hawkes, hermano del padre desaparecido. Interpreta a un tipo ambiguo y duro de carácter; quizá le hacen falta algunos minutos más en pantalla, para darle mayor importancia a su papel.

De guión sólido y bien elaborado, Winter’s Bone es una producción filmada con menos de dos millones de dólares de presupuesto. Posee una estructura con pocas fisuras: la falta de desarrollo de los personajes de reparto y su ritmo cadencioso, quizá llegue a aburrir a los espectadores menos pacientes. De cualquier forma, tiene más virtudes que defectos, es un ejemplo de cómo la falta de dinero se compensa con talento y habilidad narrativa.

Calificación 8/10

Exit Trough the Gift Shop

2011-02-07T09:52:00.000-08:00

¿Qué hace arte al arte? Difícil responderlo, quizá su trascendencia en el tiempo; por eso se mantiene la discusión en cuanto al llamado: Arte conceptual, pues su condición de efímero provoca que sea cuestionado.

Entre las manifestaciones del arte efímero se encuentra el grafiti, no hay ciudad en el mundo que carezca de ellos; aparecen de forma misteriosa, un día la pared está en blanco, al otro amanece con una pinta, y al otro de nuevo está en blanco; así se da el ciclo, hasta que alguien se canse, sea el dueño de la pared o quien pinta el grafiti.

Uno de los máximos representantes del arte callejero, así lo llaman sus autores, es un tipo que se hace llamar Bansky, su origen y nombre real es desconocido, aunque se dice que es inglés. El misterioso artista ha dejado su huella en varias de las grandes ciudades del mundo, no solo en las paredes, también en los museos.

Por caprichos de la vida, un francés de nombre Thierry Guetta, padre de familia, dueño de una tienda vintage, obsesionado con filmar todo a su alrededor, devino en documentalista y amigo de varios artistas del grafiti. Producto de tal obsesión llegó a contactarse con Banksy, quien le permitió, durante un tiempo, filmar cuando trabajaba.

El caso es que Guetta tenía pasión, pero le faltaba talento. Al final, fue incapaz de hacer algo digerible con los cientos de videos, por lo que Banksy le recomendó que dejara de filmar y que hiciera un poco de arte callejero.

El material de los videos no se perdió, curiosamente dio origen a un documental sobre la vida de Thierry Guetta, dirigido por Banksy, llamado Exit Trough the Gift Shop.

La película toma como leit motiv la vida del francés para cuestionar, en varios sentidos, la validez del grafiti y las intervenciones del espacio público como arte. El director ironiza sobre el hecho y muestra cómo alguien sin talento y sin idea de qué está haciendo, puede llegar a convertirse en artista de culto; todo por obra y gracia del marketing y el esnobismo, novelería pues, del gran público.

El documental muestra a varios de los más famosos artistas del grafiti mientras trabajan en su obra. Lo valioso es que Bansky lo utiliza como medio para reflexionar en lo que hace y, aunque un poco ambiguo y sin elaborar demasiado sobre el tema, deja en evidencia que mucho del éxito mercadológico del arte callejero se debe a la especulación de quienes comercian con el producto.

Se trata de un film de buen ritmo y entretenido, en el que los hechos se presentan tal y como son, agregándoles toques de ironía y humor.

Calificación 8/10

True Grit

2011-01-31T08:32:00.000-08:00

Al revisar la filmografía de un director comprometido con su creación, de alguien que no filma solo porque el cine es su forma de ganarse la vida, es posible conocer las obsesiones y motivaciones del cineasta, y se reconoce que cada película constituye la parte de un todo.

Uno de los casos más sorprendentes del cine, en general, es el de los hermanos Joel y Ethan Coen, quienes producen, escriben y dirigen, entre ambos, todas sus cintas; su compenetración es tal que algunos dicen que es como si fuera una misma persona con dos cabezas, y cada trabajo que realizan es parte fundamental de una obra que está, afortunadamente, en construcción.

La más reciente entrega de este duo dinámico es True Grit, adaptación de la novela de Charles Portis y remake del filme del mismo nombre.

El argumento es sencillo: una niña de catorce años decide vengar la muerte de su padre, para lograrlo contrata a un tipo con fama de ser bueno en el arte de capturar malechores, le ofrece cierta cantidad de dinero y decide acompañarlo en la cacería; a ellos se une un Texas Ranger, quien también quiere atrapar al fugitivo.

La original, aparecida en 1969, es un clásico del western, con la que su protagonista, John Wayne, ganó el Oscar; por lo que filmarla de nuevo era un reto mayor, pues ¿qué más se puede aportar acerca de algo que la primera vez se hizo bien?

En manos de los Coen la respuesta es sencilla, el aporte es buen cine. Con el sentido fílmico y la habilidad narrativa de los hermanos, la historia adquiere nuevos matices. Si a ello se agrega el oficio que tienen para sacar el máximo de los actores, principalmente de Hailee Steinfeld (Mattie Ross), actriz que interpreta a la niña de catorce años quien, con el aplomo de alguien mayor, realiza un papel excelente, incluso de mayor nivel que el de sus compañeros, Jeff Bridges (Aguacil Reuben J. Rooster Cogburn) y Matt Damon (Ranger de Texas, La Boeuf).

La cinta tiene ritmo pausado y la trama se desarrolla de esa forma, incluso en algunas escenas pareciera que nada sucede: las tomas se abren y muestran la recreación de las grandes áreas de terreno deshabitado, características del viejo oeste estadounidense; en ese sentido, son los elementos técnicos, como la fotografía y la banda sonora los que se lucen.

El trabajado argumento desemboca en las bien tejidas escenas finales, en donde el vértigo se apodera del filme y, aunque el resultado es predecible, se consigue el efecto de detonar la emoción contenida en los minutos previos.

Película de grandes actuaciones y tremendo trabajo de dirección, los Coen ponen una piedra más en ese edificio que conforma su obra.

Calificación 9/10

La red social

2011-01-24T07:21:00.000-08:00

Desde la comunidad primitiva, la asociación del ser humano con sus semejantes ha sido esencial para el desarrollo; sin embargo, las relaciones entre personas también son motivo de frustración y depresiones.

Para la mayoría, el contacto inicial con alguien puede ser difícil, cosa que varía en función de la sociedad en la que se viva. Si a las limitaciones de personalidad se suman los miedos provocados por el entorno; es decir, el nunca hables con extraños que se inculca a los menores, ahora incrementado por el temor a la delincuencia, el crimen organizado, el terrorismo, según el caso, hacer nuevas relaciones se dificulta.

El crecimiento de la Internet ha sido terreno fértil para eliminar las limitaciones. De alguna forma, el miedo escénico desaparece al interactuar por medio de la red; de ahí que hayan surgido diversos sitios que facilitan el encuentro de las personas, pero el mayor de todos, en el que el mundo entero encontró la forma ideal de relacionarse, y compartir sus vidas, es Facebook.

El invento de Mark Zuckerberg nació en 2004, y el cine no tardó en ocuparse de su historia, afortunadamente el proyecto cayó en manos de David Fincher y Aaron Sorkin, director y guionista, quienes han probado, de sobra, su talento en el oficio que desempeñan.

Con el nombre de The Social Network, Fincher llevó a la pantalla los eventos que dieron origen al nacimiento de Facebook. La película se centra en Zuckerberg (Jesse Eisemberg), pero no es el típico biopic, lo principal de la trama es la mirada antropológica que hace, dado que las motivaciones del creador de la red social son las mismas de una inmensa cantidad de personas alrededor del mundo; por eso el crecimiento exponencial del sitio.

En el guión de Aaron Sorkin los diálogos hacen que la información fluya de forma abundante y contribuyen a dar forma a personajes que se comunican a nivel distinto; en especial Zuckerberg, quien aparentemente vive aislado, sin poner atención a lo que los demás dicen, pero su lenguaje son las ideas, las que captura al vuelo, sin importar quién las tenga, pues una idea ajena sirve para detonar cientos propias; es alguien que piensa a la velocidad de un microprocesador de gran potencia y que ejecuta en tiempo real.

Las actores hacen un gran trabajo: Eisemberg construye un personaje creíble, su papel era difícil, pues tenía que dar vida a un tipo ambiguo, con quien no se llega a simpatizar, pero tampoco genera rechazo. Andrew Garfield, por su parte, resuelve con solvencia su asignación, encarna a un joven con maneras de metrosexual, pero tímido al momento de relacionarse con el sexo opuesto. La interpretación de Arniee Hammer es correcta, aunque pudo haberle sacado mayor jugo a la doble interpretación de los gemelos Winklevoss. Justin Timberlake, es Sean Parker, el fundador de Napster, aquella página que destrozó los cimientos de la industria disquera, acá aparece unos minutos en pantalla, los mejores que el ex cantante de ‘N Sync haya tenido en su carrera.

La red social es la puesta en escena de la sociedad actual, que encuentra en la Internet la forma de vencer sus temores y mantener el contacto entre semejantes, aunque este sea virtual.

David Fincher realiza tremenda labor de dirección y da muestra, como ya lo hiciera en El club de la pelea, que su fuerte es explorar en la conducta humana. Lo único que se puede achacar al film es que algunas escenas pierden el ritmo y llegan a generar aburrimiento.

Calificación 9/10

La película del "Pin", The End.

2011-01-10T12:09:00.000-08:00

Este blog es para escribir sobre cine y TV, pero me gusta el fútbol y quise escribir esto con motivo de la despedida del Pin.

Veinte años no es nada

La pelota cae sobre el área, una figura morena se eleva, más que todos los defensas, la golpea con la cabeza, directo al pie del número 15, quien sin pensarlo mete la pierna izquierda y anota un gol.

La jugada se repetiría durante años, la mayoría de veces fue el Pin quien la finalizó, otras fue Acevedo. El negrito terminó antes su carrera (con él fueron ingratos los del club), pero Plata fue persistente y consiguió jugar durante veinte años. Era imposible no renovarle contrato a un jugador que hacía una media de veinte goles por año; solo la edad conseguiría retirarlo, ni siquiera las lesiones, que las tuvo en cantidad, y en cada una siempre se pensaba: esta vez ya no regresará, pero el esfuerzo y la disciplina se imponían y ahí venía de nuevo, a reencontrarse con el balón, solo para mandarlo al fondo de la red.

Juan Carlos Plata creció en la zona 6, y ahí lo descubrieron. Quién sabe qué hubiera pasado si en lugar de en un campo de tierra de ciudad Guatemala, lo hubieran descubierto en alguna cancha de Argentina, por ejemplo. Aquello fue en 1988, dos años después debutaría en liga nacional.

Un espacio de poco más de siete metros de ancho y casi dos metros y medio de alto, en el que se debe meter una pelota de unos setenta centímetros de diámetro, se antoja fácil de vencer, aunque lo cuide el más ágil de todos los porteros; sin embargo, meter un gol es de los lances más difíciles que existen en el deporte, en cualquier deporte. En el fútbol son pocos los jugadores que lo hacen en forma consistente, por eso los clubes se esfuerzan en conseguirlos, aunque ello signifique pagar precios elevados. En veinte años, Plata metió cuatrocientos once.

En su carrera ganó todo con Municipal, sus logros lo colocan entre lo mejor que haya surgido en este país. En un fútbol que colecciona fracasos el Pin siempre fue un triunfador.

Algunos pocos tratan de disminuir su figura, diciendo que nunca jugó en el extranjero, que no fue capaz de llevar a la azul y blanco al mundial; pero ¿quién puede conseguir tal proeza? Tendrían que haber al menos once tan profesionales como él para lograrlo.

Cuatrocientos goles son muchos, pero una buena cantidad de ellos siempre serán recordados por el aficionado. Quién puede olvidar aquel cabezazo certero, cuando el tiempo terminaba, y se jugaba contra el mismísimo equipo de Brasil; o la zambullida a ras de césped, casi raspando la nariz, para levantar un balón que llegaba al área y clavarlo en donde el portero jamás la esperaba, un gol imposible.

Los metió de todas formas, punteando en el área, empalmándola desde afuera, de derecha, de izquierda, de cabeza, de taquito, de chilena, de media volea, de tiro libre; incluso de penal, a pesar de haber fallado algunos; era estar en el campo y mandarla a guardar.

La afición roja lo convirtió en su máximo ícono, merecido agradecimiento para quien fue el gran artífice de la mejor época de Municipal, pentacampeonato incluido.

Empezó a los diecinueve y terminó pocos días antes de cumplir cuarenta, la suerte no quiso que se retirara siendo tricampeón; metió el penal que mantenía con vida a su equipo, hasta en el último partido oficial hizo gol, pero el título fue a parar a manos de los cremas”.

La vida es corta, es innegable, aunque se vivan ochenta, noventa o cien años, nunca será suficiente; más si se considera que después de los cuarenta todo ser humano empieza la cuenta regresiva, y el cuerpo no responde igual. Para un futbolista la vida en las canchas es aún es más corta, son pocos quienes alcanzan a jugar diez años a buen nivel, el Pin lo hizo durante veinte.

Mini críticas

2010-12-09T08:52:00.000-08:00

Come, reza, ama

Hace rato que a Julia Roberts se le hace difícil esconder la edad y los papeles de mujer bonita ya le quedan raros; sin embargo, nunca ha dejado de ser encantadora, pero aunque el “charm” permanezca, no es suficiente para sacar a flote todo un film.

“Come, reza, ama”, es su más reciente incursión en la pantalla. Liz Gilbert (Julia Roberts) es una escritora que atraviesa su particular crisis existencial, por lo que, divorcio de por medio, se lanza a recorrer el mundo para ver si se encuentra, a sí misma, en algún lugar exótico.

Dirigida por Ryan Murphy, la cinta es la muestra de cómo un director con poco oficio puede desperdiciar recursos y talento por montones. En el reparto aparecen, además de la Roberts, James Franco, Richard Jenkins, Viola Davis, Javier Bardem, entre otros; todos actores de reconocida capacidad, quienes son totalmente desaprovechados, pues ninguno logra un trabajo aceptable.

El gran problema de “Come, reza, ama”, es que pretende dar un golpe de sabiduría en cada frase, por lo que los diálogos se convierten en filosofía barata; más parecida a lo que se leería en un libro de autoayuda, que a las conversaciones habituales de los humanos comunes y corrientes.

Películas como esta son las que llevan a pensar que el cine está en sus horas más bajas.

Calificación 3/10

Shrek Forever After

Corría el año 2001 cuando un ogro verde, irreverente como el que más, apareció por primera vez en pantalla, limpiándose el trasero con las páginas de los tradicionales cuentos infantiles. La segunda entrega, en 2004, también fue memorable, pero nada es para siempre, y la frescura inicial se perdió irremediablemente.

El cuarto y último episodio de la saga (ojalá y así sea), “Shrek Forever After”, terminó con el ogro. Se veía venir desde la tercera, pues era difícil mantener la irreverencia y el sarcasmo del principio.

Sucede que Shrek lleva una vida apacible, pero rutinaria y, cansado, quiere volver a ser el ogro que asustaba a todo mundo, pues ahora su vida se ha convertido en una especie de espectáculo circense.

Si la primera y segunda película de la serie destacaron por la inteligencia y sarcasmo de su guión, la última apenas si tiene atisbos de aquello que la hizo, en su momento, merecedora de las mejores críticas. No hay historia, no hay sátira, los diálogos son irrelevantes y, lo peor de todo, no son graciosos.

No merecía un final como este el ogro bonachón, pero el negocio es capaz de arruinarlo todo; descanse en paz Shrek, ojalá y nunca lo vuelvan a poner en la pantalla.

Calificación 3/10

La bodega

Reza la frase atribuida a Albert Einstein: “Locura es hacer la misma cosa una y otra vez esperando obtener diferentes resultados”. Tal postulado es ideal para describir lo que sucede con “La bodega”, primera película de Ray Figueroa, el guionista de las tres anteriores producciones de “Casa Comal”.

El filme padece los mismos vicios de sus predecesoras, pues parte de un guión descuidado, que desde el inicio se percibe artificial y alargado a la fuerza; el conjunto lo resiente. No hay construcción de personajes, no hay desarrollo de la trama, se agregan elementos que nada aportan, entre otras cosas, el lenguaje es artificial.

No es la intención desmenuzar el filme, incluso hacerlo sería algo arriesgado, pues es conocida la hipersensibilidad de los cineastas guatemaltecos, quienes están acostumbrados a la alabanza gratuita, por parte de sus amistades; la idea es hacer una crítica objetiva y, por sobre todo, honesta; decirlo es pretencioso, pero es necesario.

Juan Pablo Olyslager es, de nuevo, el protagonista, y aunque es difícil hablar de su trabajo, ya de por sí trunco por las limitaciones del guión, se puede decir que se esfuerza, pero no logra encontrar el tono adecuado para hacer un buen personaje, y termina haciendo una réplica de sus actuaciones anteriores.

Las películas guatemaltecas siguen en la búsqueda de identidad, pero todavía falta para que suceda, lo importante es continuar haciéndolo, pero se debe aprender en el camino y tener la humildad para reconocer los fallos, de lo contrario se seguirán dando palos de ciego.

Calificación 4/10

Wall Street: Money Never Sleeps

Otra muestra de que el cine anda en horas bajas, y que hasta los grandes directores tienen sus momentos de debilidad. No hay otra forma de explicar por qué Oliver Stone haya decidido, veintitrés años después, realizar la secuela de Wall Street.

Si la primera ponía en evidencia el funcionamiento de Wall Street, la segunda quiere hacerlo con la crisis financiera global, pero de inmediato se advierte que no hubo investigación, pues el guión carece de profundidad y aunque el planteamiento es interesante, no pasa a más.

Gordon Geckko sale de prisión y quiere recuperar su vida anterior; llena de dinero, mujeres y lujos; sigue siendo el mismo, aunque ahora aparenta humildad. Michael Duoglas retoma el papel que le ganó el mayor reconocimiento de su carrera, con Oscar incluido, pero la edad y las enfermedades han hecho mella; no pierde el carisma, pero le hace falta energía.

La cinta naufraga y se convierte en una mala copia de sí misma. Por el bien del cine, ojalá que Oliver Stone encuentre un guión que lo ponga, otra vez, a la altura de sus: “Pelotón”; “JFK”; “Nacido el 4 de julio”, por mencionar algunas. El cine lo necesita.

Calificación 4/10

Inception

2010-10-18T09:40:00.000-07:00

La vida del ser humano está basada, en alto porcentaje, en la aspiración a poseer; desde cosas materiales, hasta las intangibles: dinero, casa, una familia perfecta, el amor, amistades; es decir, poseer aquello que lo haga feliz. La necesidad de poseer está emparentada con los sueños, y los sueños con lo imposible.

A pesar de lo complicado de hacer realidad los sueños, son pocos quienes no hacen algún intento por materializarlos; lo peligroso es que, muchas veces sin darse cuenta, al tratar de concretarlos, se arrastra a otros y se truncan los sueños ajenos, en pro de conseguir el propio.

Del cine se ha dicho que es una fábrica de sueños, el más reciente trabajo de Christopher Nolan, Inception, así lo confirma.

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), es un tipo que tiene un trabajo extraño, lidera un equipo de profesionales dedicados a extraer información de los sueños de las personas; labor por demás especializada, en la que demuestran que además de ser hábiles para la tecnología, tienen la capacidad de enfrentar a toda clase de mercenarios; son ladrones, pero al más alto nivel.

En estos tiempos, en los que el séptimo arte vive horas bajas, el cine de Nolan sigue siendo un baño de frescura, pues en cada entrega supera la anterior. Su principal mérito radica en que ha sabido mezclar el componente de acción y entretenimiento, con la dosis exacta de reflexión, entonces sus películas suelen satisfacer tanto al gran público, como al cinéfilo más exigente.

Origen (nombre en español), es una cinta elaborada sobra la base de un guión sin fisuras, en donde todas las piezas encajan, genialidad que le llaman; por lo que el remolino en el que se convierte la trama, a partir del primer segundo de proyección, no pierde el sentido de la coherencia, en ningún momento; pues el director tiene la inteligencia de guiar al espectador para que no se extravíe.

El guión sumerge a los personajes en la búsqueda interior, los diálogos son lúcidos, y en ellos se percibe la intención del director de dejar constancia de lo que piensa con respecto a la condición humana y las grandes corporaciones; paradójico, si se toma en cuenta que de no ser por estas últimas su producto no estaría en pantalla; sin embargo, las palabras, en boca de los protagonistas, alcanzan la justa dimensión, para no caer en el panfleto ni en la pretensión filosófica.

Dentro de toda esa explosión de pirotecnia, que acompaña la acción, se tiene el cuidado de darle el peso adecuado a los personajes, apartado en el que sobresale, como ya es costumbre, Leonardo DiCaprio, quien parece no hacer esfuerzo alguno para proveer de credibilidad a cualquier personaje que le toque interpretar.

En el reparto aparecen nombres de la talla de: Ken Watanabe, ese japonés a quien occidente conoció cuando le dio una lección de actuación a Tom Cruise en El último samurái, acá su performance queda arriba del promedio; a él se une el siempre sólido Michael Caine, y se recobra para la pantalla grande a Tom Berenger. El elenco es de lujo, pues también tienen personajes: Marion Cotillard, Pete Postlethwaite; y los jóvenes, en ascenso constante, Josep Gordon-Levitt y Ellen Page; entre todos logran sostener esa pesada estructura que Nolan les hace cargar.

La cinta es adrenalina pura, pero también es espectáculo visual, con escenas cargadas de lirismo, y efectos especiales en los que se nota en qué se gastaron los 160 millones de dólares que su utilizaron en su producción. El resultado final demuestra que, a pesar del terreno ganado por la televisión, todavía hay muchas cosas que resultan enormes para ser mostradas en las pantallas LCD, Plasma o LED; pero que se necesita de directores como Christopher Nolan para lograrlo.

Si Clint Eastwood es el director cuya obra representa la esencia del cine, en donde las historias y las actuaciones están sobre cualquier efecto especial; la cinematografía de Nolan se va configurando en el otro extremo, en la fusión de todos los elementos que puedan capturar la atención de la generalidad del público; cine en su máxima expresión, en donde, como ya se anotó, hay lugar para la diversión, pero al mismo tiempo proporciona elementos para la reflexión.

Un filme que vivía en los sueños de Nolan y que afortunadamente hizo realidad.

Calificación 10/10

Una sobre series de TV

2010-09-16T09:33:00.000-07:00

Este año ha sido malo para el cine, cosa que empieza a causar preocupación, porque los años anteriores también lo han sido. Habrá que esperar a que venga la temporada de premios para que empiece a llegar el buen cine.

Por el contrario, y afortunadamente, las series de televisión cada vez están mejor. La aparición de las plasmas, LCD, LED y otros artilugios de alta definición han contribuido a que la estética de lo que se ve en la pantalla, ya no tan chica, alcance niveles similares a los del cine.

La popularidad de las series de TV va en aumento, esto se debe a que la Internet ha permitido el acceso a los episodios casi en tiempo real. Por eso las cadenas que transmiten para América latina, ahora, van casi a la par de las emisiones en los Estados Unidos; ya no hay que esperar un año para que lleguen a estos países.

Septiembre es el mes en el que más abundan los estrenos, tanto de las nuevas series, como de las viejas que vuelven en una temporada más.

Entre las nuevas, y la que más promete (ojalá no decepcione), se puede mencionar: Boardwalk Empire, la nueva apuesta de HBO, que trae el respaldo, nada más y nada menos, de Martin Scorsese. Se estrena el 19 en los Estados Unidos y el 20, de septiembre, para América Latina. Además de ser una de las cadenas que más nominaciones y premios recibe cada año, es de las que más cuidadas producciones emite. Es cierto que después de terminar Los Sopranos tuvo un bajón, pero dio muestras de recuperación con la excelente Treme.

Entre las que regresan hay dos que fácilmente pueden colocarse en el top 10 de las mejores de la historia: House M.D., que llega a la 7ª. Temporada; y Dexter a la 5ª. House es la saga del genio solitario, que en su intento por descifrarse a sí mismo, mientras se hace cargo de los casos más raros que llegan al hospital, cuestiona dogmas, paradigmas, axiomas, y todo tipo de verdades que el común de los mortales considera irrebatibles. Lo de Dexter es la exposición, en carne viva, de la más profunda y desagradable condición humana; cada episodio pone al espectador ante la posibilidad de llegar a simpatizar con un asesino en serie, doble moral que le dicen.

Hay otras que ya se están emitiendo, entre ellas: Mad Men, va por el 8vo episodio de la cuarta temporada. Aunque empieza a perder el tono antropológico, sigue manteniendo su nivel, ahora más enfocada en los personajes.

Y para quienes no han visto series, nunca es tarde para ponerse al día. En ese caso, se tiene la ventaja de poder adquirir los DVDs, o descargar de Internet todos los episodios y verlos uno tras otro, sin llegar a experimentar la ansiedad que provoca la espera semanal. Algunos títulos: The Wire; Curb Your Enthusiasm; Breaking Bad; Six Feet Under; Los Sopranos; Seinfeld.

Hay que tener en cuenta que la caja hace rato que dejó de ser tonta.

La imagen me la encontré en "gugul", es puramente ilustrativa, no quiere decir que considere buenas todas las series que aparecen.

La vaca

2010-08-27T09:51:00.000-07:00

Es más fácil hacer llorar que reír, la frase es un cliché, pero funciona; más cuando se trata de cine, televisión, teatro, o cualquier otra manifestación de la comedia; pero centrándose en la gran pantalla, es posible decir que son pocas las películas que, sin recurrir al humor escatológico y al chiste fácil, provocan la risa de los espectadores.

Escribir buena comedia es una actividad que parece estar reservada para unos cuantos. El cine, en general, demuestra que un director o guionista que hizo reír en una época, no lo hace en otra; por ejemplo, los hermanos Farrely lo consiguieron con: Dumb and Dumber y There's Something About Mary, después no han podido repetirlo; Woody Allen lo logró durante muchos años, a ritmo de film anual, luego llegó el bajón; para recuperar algo de su nivel tuvo que reinventarse, y buscar fuentes de inspiración, y financiamiento, fuera de Nueva York.

El mundo cambia y con ello la sensibilidad del espectador, por eso el chiste que hizo reír ayer no lo hace el día de hoy.

La vaca, largometraje escrito y dirigido por el guatemalteco Mendel Samayoa, es una comedia que, según palabras del director, fue hecha para disfrutar en familia.

La cinta es protagonizada por un difunto, tres mujeres, dos abogados, un taxista, una vaca, un toro, y otros personajes secundarios; con ellos, el director busca crear una comedia de enredos.

Cuando se habla del cine guatemalteco siempre se choca contra la muralla del nacionalismo y con quienes se conforman con decir: para ser nacional está bien, por eso al tratar de ser objetivo siempre se corre el riesgo de ser descalificado, principalmente por los amigos de los directores.

Los cineastas y actores deben estar preparados para recibir las críticas, y quedarse con lo que les pueda servir para crecer, y si no hay nada que les sea útil, pues deben ser tolerantes.

Sin entrar a considerar el país de origen de La vaca, y poniéndola en el contexto general, se pueden rescatar algunos logros en la parte formal, principalmente los referentes a la escogencia y creación de las locaciones, que aunque no son complejas, se liberan, en alguna medida, de ese aspecto de cine artesanal que suelen tener las producciones chapinas. Otro aspecto positivo es el de la fotografía que, en aceptable porcentaje, confiere buena textura visual.

El problema principal de la película radica en el guión y la dirección. El primero carece de diálogos fluidos, le falta chispa; y los enredos y situaciones, de los que echa mano, pecan de ingenuos. Los actores tratan de hacer un trabajo decente, pero las limitaciones del guión no lo permiten; aun así, Tita Mendoza, La Valeria y Jorge Ramírez logran moderar su histrionismo teatral y poner algo de su propia cosecha en los diálogos, con lo que consiguen generar algunas risas. Lo de los demás actores queda para la anécdota, incluyendo la aparición de Jorge Sanz, cuya actuación aporta poco, o nada, a la historia.

El director falla en cosas básicas, como la concatenación de las escenas y el encuadre de los rostros; por lo que el ritmo se hace lento y la expresión facial de los actores no se aprecia al ciento por ciento.

Otro de los elementos que van en contra del filme es la escogencia de la música, que contribuye a que el ritmo sea lento, aburrido por momentos; además, se mezclan géneros bastante disímiles y el acompañamiento de la acción es desafortunada, como en la escena en la que se utiliza una parte de La flauta mágica, de Mozart.

La vaca, es una cinta que busca hacer reír, por medio de los enredos, pero el humor que utiliza está fuera del contexto actual. No se trata de recurrir al chiste escatológico, ni a la situación chusca, el asunto es que faltó un poco más de ingenio, no se puede hacer una película y terminarla al estilo de chiste pierdeamigos.
La época actual requiere de la ironía y el sarcasmo; ya las rutinas al estilo Cantinflas y el Chavo del ocho no alcanzan para hacer reír. Si se utilizan hay que reinventarlas.

Calificación 4/10

Breaking Bad

2010-07-12T09:22:00.000-07:00

La pelea por el rating de los horarios estelares en la televisión estadounidense ha traído consigo, casi en general, mejor calidad en los programas que las cadenas ofrecen; de ahí que las películas, miniseries y series realizadas para la pantalla chica cada vez son mejores.

Las cadenas más poderosas, como NBC, CBS y ABC, hacen fuertes inversiones, pero no siempre son sus productos los que acaparan la atención del público.

Dentro de esa pelea de pesos pesados ha aparecido un canal de menor peso, en apariencia, que le está haciendo la batalla a los gigantes; se trata de AMC, surgido originalmente en 1984 para presentar películas clásicas; aunque más tarde, debido a la necesidad de expandir su territorio de transmisión, tuvo que ampliar la oferta en su programación, de esa forma en 1996 estrenó Remember WENN, su primera serie, que duró en el aire cuatro temporadas.

Cambios administrativos y de dirección frenaron su incursión en las historias contadas por episodios, tuvieron que pasar más de diez años para que se estrenara una nueva serie, en 2007, Mad Men; a la que siguió, en 2008, Breaking Bad.

Las historias acerca del narcotráfico y del crimen organizado de estos tiempos recién empiezan a contarse. La televisión, el cine y la literatura colombiana y mexicana han hecho su aporte, pero es seguro que muchas cosas van quedando ocultas.

Breaking Bad está ambientada en Albuquerque, Nuevo México, Estados Unidos; el protagonista principal, Walter White (Bryan Cranston), es maestro de Química de una escuela local, trabajo para el que está sobre-calificado y mal pagado, por lo que tiene que desempeñar un segundo empleo como cajero en un Car Wah. Tiene un hijo que sufre parálisis cerebral, lo que le dificulta caminar y hablar; su esposa está embarazada, es escritora desempleada y para apoyar a la manutención del hogar vende artesanías por Internet. La salud de Walter no es buena, consulta al médico y luego de varios exámenes le diagnostican cáncer de pulmón y le dicen que de no hacerse un tratamiento que costaría unos US$200,000.00 solo vivirá unos pocos meses.

Al saberse en bancarrota, enfermo, y con todos los agravantes del caso, decide que para salvar la situación se dedicará a producir metanfetaminas. Por cierto, tiene un cuñado que es agente de la DEA. La serie se centra en los acontecimientos que se desatan cuando incursiona en el mundo del narcotráfico. Cada intento trae consecuencias, aprendizaje y daños colaterales.

En la medida que avanzan los episodios, de las tres temporadas emitidas a la fecha, el pequeño mundo de Walter White se va ensanchando y se da cuenta que para sobrevivir, mientras el cáncer no lo mate, en el mundo del crimen organizado, deberá hacer muchas cosas que van en contra de lo que ha sido hasta ahora. Inicialmente consigue un socio, Jesse Pinkman (Aaron Paul), ex alumno suyo, drogadicto y “cocinero” en pequeña escala (así se le llama a quienes fabrican las metanfetaminas).

La serie está cuidada en todos sus detalles, su estética es casi fílmica; parece que ese es un sello de AMC, pues ya lo demostraron en “Mad Men”; pero el mérito mayor se encuentra en el guión. Todos los episodios están concatenados magistralmente, cada personaje que aparece en pantalla, por mínima que sea su intervención, tiene un objetivo que cumplir en la historia global; no hay cabos sueltos, ni rellenos, todo está medido y pensado como un rompecabezas cuyas piezas se ensamblan en el momento justo.

El trabajo de los guionistas también se refleja en la construcción de los personajes, es interesante ver como cada uno va sufriendo cambios cualitativos, provocados por las circunstancias; por otro lado, impresiona la reacción que tienen cuando su vida está en peligro; la mayoría son seres comunes y corrientes, quienes se ven inmersos en situaciones extremas, es ahí en dónde se revela su verdadera condición humana.

Otro punto fuerte es el elenco, cada uno de los actores hace un gran trabajo, en el que demuestran la dualidad que suele existir en las personas, poniendo en evidencia que la mayoría tiene una cara que oculta y otra con la que se presenta ante sus semejantes.

El dominio del crimen organizado en el mundo actual cada vez es mayor; históricamente el más fuerte es quien ha impuesto su ley; por eso la lucha de poderes se vuelve interminable y Breaking Bad, utilizando un pequeño escenario, muestra el alcance y la brutalidad que se necesita para llegar a ser el mandamás. Triste realidad.

Completan el reparto: Anna Gunn, Skyler White, la esposa de Walter; RJ Mitte, Walter White Jr., el hijo; Dean Norris, Hank Schrader, el cuñado agente de la DEA.

Calificación:
Primera temporada 10/10
Segunda temporada 9/10
Tercera temporada 9/10

Lectura de Poesía. Antes de que llegue el fútbol

2010-06-07T08:20:00.000-07:00

No es una película, ni una serie de TV; con unos amigos, poetos y poetas, hemos organizado una lectura de poesía.

Aquí la nómina.

Maya Cú

Patricia Cortéz

Gloría Hernández

Juan Carlos Lemus

Alfonso Porres

Emilio Solano

Ángel Elías

Gustavo Sánchez

Fernando Ramos

Lost, 6a temporada, acabaron con la serie

2010-05-26T07:55:00.000-07:00

Se ha terminado la serie que más aficionados coleccionó en los últimos años, no solo en Estados Unidos; en España, por ejemplo, surgieron cientos de foros, grupos de Facebook, páginas electrónicas y blogs, dedicados exclusivamente a teorizar sobre los misterios de Lost.

La sexta temporada, la última, fue la que más polémica ocasionó. Como era lógico, los fans exigían respuestas; y es que los guionistas se ganaron el interés del público a fuerza de crear misterios, para luego resolverlos creando otros, al grado que las preguntas se multiplicaron de forma exponencial.

El balance, después de ver los dieciocho episodios finales, es negativo. Si se toma en cuenta que muchos han cosiderado que Lost estableció un antes y un después en la forma de narrar historias en la televisión (algo que no es cierto), el resultado ha sido pobre; el conjunto de la sexta temporada no llenó las expectativas.

La serie terminó siendo víctima de sus propias contradicciones. Empezó como una historia de seres humanos, a quienes las circunstancias hicieron que enfrentaran, de forma honesta, a sus fantasmas personales.

Los de la primera temporada eran personajes que se fueron construyendo con paciencia; cada episodio era la puesta en escena de la condición humana, en donde los protagonistas, atormentados por sus culpas, buscaban redención; en aquel entonces el humo negro representaba esa búsqueda y la isla era el paraíso, pero no en el sentido religioso, era el lugar en el cual podrían encontrarse con ellos mismos.

Ya para el final los personajes se parecían a los de ese fracaso llamado Héroes, sin exagerar: Hurley veía gente muerta; Miles hablaba con muertos enterrados; Sayid fue capaz de resucitar, producto de ser sumergido en las aguas del templo; Richard fue dotado de juventud eterna, igual que la falsa madre de los gemelos; Jacob, además de vivir miles de años, podía conceder diversos dones; Némesis-Flock, se convertía en humo negro, pero también podía mover objetos a distancia, en el mejor estilo de Sylar; cositas así propiciaron que todo se les fuera de las manos.

En los bonus track incluídos en la edición en DVD de la primera temporada, los creadores decían que llegaron a la cadena televisiva con una idea, y que les pareció extraordinario que les hubieran autorizado grabar la serie sin tener escrito el guión; eso explica las incongruencias que vinieron a continuación.

Lost quizo transitar por terrenos ambíguos, en donde la ciencia se contraponía a la fe, pero pudo más la tendencia judeo-cristiana, hacia ese lado se decantó el final; llegaron al grado de no darse cuenta que había algún musulmán y un par de coreanos entre los personajes, quizá fueron convertidos al cristianismo mientras intentaban salir de la isla.

En la parte formal el descuido fue evidente. El templo, el pozo, la estátua, el faro, el avión; en general las locaciones que construyeron para el final parecían haber sido hechas a la carrera, tenían errores imperdonables, como que hubiera sido el trabajo de aficionados; lo mismo sucedió con la filmación y la edición, ya no pusieron atención a los detalles, quizá lo hicieron para distraer la atención de lo malo que estaba siendo el guión.

En los actores también se notó el bajón, el salto cualitivo que los personajes experimentaron en las primeras tres temporadas, producto de las experiencias vividas, se esfumó y casi se volvieron personas sin emociones.

Lost no tuvo el final que merecía, se enredó en sí misma, dejando gran cantidad de preguntas sin responder y millones de aficionados decepcionados, frustrados, incluso algunos se sienten estafados; por supuesto que hay muchos que están agradecidos, la frase que más suena en los foros es algo así: No importa que el destino final haya sido malo, lo valioso fue el viaje.

Aún siendo una serie de ciencia-ficción, a las incognitas tenían que haberles dado una respuesta con un mínimo de lógica.

Calificación 6ª temporada
5/10

La isla – Archivos de una tragedia

2010-05-24T06:08:00.000-07:00

Año 2005, en Guatemala, en la brigada militar Mariscal Zavala sucede una sospechosa explosión. En este país cualquier evento similar, de inmediato, genera sospechas, justificadas la mayoría de veces. Hay tantos hechos producto de la violencia, institucional, común, organizada, que no han sido investigados, mucho menos aclarados; que lo normal es desconfiar de todo.

Cuando desapareció la Policía nacional, que tenía su sede en la zona 6 de la ciudad, las instalaciones en las que funcionaba quedaron abandonadas. Luego de la explosión en Mariscal Zabala, los vecinos sintieron miedo, pues pensaron que en aquel lugar también podrían haber explosivos, por lo que pusieron una denuncia en la Procuradoría de los derechos humanos (PDH), para que investigaran; el procurador consiguió una orden judicial y allanó el lugar, no encontró explosivos, encontró el archivo de la extinta Policía nacional, y una prisión clandestina llamada La isla.

El archivo quedó bajo custodia de la PDH, ellos serían los encargados de restaurar, clasificar y digitalizar los documentos.

Uli Stelzner, cineasta alemán, tuvo la idea de entrevistar a los trabajadores asignados al archivo, obtener sus testimonios y filmarlos mientras hacían sus tareas; de ahí nace el documental La isla – Archivos de una tragedia.

Partiendo de la documentación encontrada, la película intenta reconstruír una parte de la memoria de Guatemala. El director recurre a imágenes de archivo, que proyecta como telón de fondo en las paredes del lugar, mientras los entrevistados narran lo que van encontrando en aquella montaña de papeles.

Gran cantidad de hechos violentos están ahí registrados, cada una de las fichas es capaz de disparar una historia y referir a épocas pasadas, cuando existía la violencia intitucionalizada (¿habrá desaparecido?); por lo que del testimonio se pasa al retazo de un noticiero o a un video encontrado en el archivo de alguna institución extranjera. En ese sentido, el film se hace valioso, porque documenta, convierte en imagen y revela el contenido de las cajas; es decir, deja evidencia que aquello existe.

La cinta tiene valor como documento, pero tiene en contra que no profundiza, quizá porque el director se concreta a filmar, sin tomar partido, por lo que su trabajo no adquiere tono personal y se torna frío, le falta sensibilidad.

En la parte formal hay cosas que hacen que se pierda la atención, se trata de un documental a lo vieja escuela, de ritmo lento, por lo que hay pasajes en los que el interés decae, se vuelve aburrido; en algo tiene que ver la música. Aunque el chelo tiene momentos excelentes, llega a volverse monótono, hubiera sido interesante acelerarlo en algunos pasajes.

Por otro lado, la inclusión de escenas actuadas, como en las que aparecen Paulo Alvarado, o John Dunn, aportan poco al conjunto, principalmente lo correspondiente a Dunn, pues no tiene mucho sentido que aparezca alguien leyento textos en inglés, parace que se busca dar un golpe de efecto, pero no se logra.

La isla – Archivos de una tragedia, es una película que vale por su contenido, pero que pudo haberse realizado de mejor forma.

Calificación 6/10

Mad Men

2010-04-19T08:13:00.000-07:00

Es innegable la influencia que la publicidad ha tenido en los hábitos de consumo. Desde las multimillonarias campañas de alcance global, hasta las pequeñas diseñadas para marcas locales; el bombardeo de comerciales, por diversas vías, persigue seducir a los compradores y aumentar las ventas.

En principio, el tema de Mad Men es la publicidad y la puesta en escena del día a día de los trabajadores de la ficticia agencia Sterling Cooper, situada en Madison avenue, Manhattan, New York; sin embargo, el desarrollo de la trama y la construcción de los personajes, va develando que el fin último del argumento es diseccionar una época, los años 60s, que fue decisiva para formar el carácter de los Estados Unidos de hoy día. Como han señalado algunos críticos, la mirada de la serie es antropológica.

Los episodios avanzan a ritmo lento, por lo que se requiere algún grado de paciencia para encontrarle el gusto, luego es imposible dejar de verla.

El tono de la serie es cínico, sin prejuicios, ese es uno de sus mayores méritos, pues se hace un retrato fiel de los personajes y los acontecimientos de aquellos años. La radio y la televisión tienen presencia permanente, sirven como vehículo para crear la atmósfera.

Los personajes de Mad Men son: millonarios dueños de empresas; millonarios por herencia; ejecutivos devenidos en millonarios; ejecutivos exitosos, aspirantes a millonarios; ejecutivos de alto rango, mal pagados; ejecutivos de mediano rango; creativos publicitarios; secretarias; conserjes; amas de casa; empleadas domésticas; todos deseando ser como el que está arriba de ellos, como el vecino, como el jefe, como cualquiera que tenga más cosas que envidiar; en otras palabras, es la exposición de lo que en estos tiempos se conoce como cultura wannabe.

El protagonista principal, Don Draper, está a cargo de John Hamm, quien se dio a conocer en esta serie; personifica a un tipo duro, talentoso, trabajador obsesivo, infiel por naturaleza, carismático, con atisbos de humanidad. Su interpretación es excelente.

Mad Men es una serie cuidada hasta el menor detalle, su producción es casi fílmica; en ella las locaciones, el vestuario, los sets, el decorado, el maquillaje, los peinados, todos responden a la época y están al servicio de la historia.

A la fecha se han emitido tres temporadas, en Estados Unidos se transmite por AMC TV y en América latina por HBO.

Calificación:
Primera temporada 9/10
Segunda temporada 9/10
Tercera temporada 9/10

Precious

2010-03-22T10:58:00.000-07:00

Había una vez una chica de 16 años, de raza negra, obesa, abusada sexualmente por su padre y físicamente por su madre; paradójicamente, su nombre era Precious; ella asistía a la escuela, tenía ganas de superarse, pero debido a que estaba embarazada, por segunda vez, la enviaron a una escuela alternativa; para más agravantes, su primer hijo nació con síndrome de down.

La historia de Precious fue contada, inicialmente, por Sapphire, escritora que llevó a novela sus vivencias con la gente del gheto.

En 2009, Lee Daniels, director debutante, apadrinado por la todopoderosa Oprah Winfrey, la llevó al cine, consiguiendo obtener la atención de la crítica y de las distintas entidades que otorgan premios, incluyendo a los que reparten el Oscar.

Se trata de una película que intenta bucear profundo en aguas turbias, y poner el dedo en la llaga de la problemática social. Su defecto es que echa mano de todos los lugares cómunes del género.

Lamentablemente, el abuso y la discriminación, en todas sus formas, son parte del día a día de muchas personas, por lo que sus historias van a los medios de comunicación, otras a los reality shows y algunas más a los teledramas; tal situación hace que tratar el tema sea complicado, porque se necesita mucha habilidad para dejar de lado las ideas preconcebidas.

La cinta sufre las consecuencias de la falta de experiencia de su director, quien acierta al presentar la realidad dura y brutal, pero falla al mezclar las escenas violentas con la fantasía de la protagonista; por lo que el relato se fragmenta y pierde fluidez.

De no ser por las magníficas actuaciónes de Gabourey Sibide (Precious) y Mo’nique (la madre), el filme no pasaría de lo convencional, quizá quedaría en algo emparentado al programa mexicano Mujer, casos de la vida real.

Las dos actrices ponen todo de su parte y logran representar en pantalla los distintos estadios emocionales de sus personajes: Mo’nique demuestra, a fuerza de gritos y expresión corporal, lo malvado que un ser humano puede ser. Gabourey transmite, de forma contenida, sin muchos alardes, el sufrimiento de su personaje, al tiempo que su mirada logra reflejar algún indicio de esperanza.

La participación de Mariah Carey y Lenny Kravitz, aunque se esfuerzan, no pasa de modesta, queda para la anécdota, nada más.

Habrá que preguntarse cuál hubiera sido la suerte de Precious: Based on the Novel Push by Sapphire (ese es su nombre completo), de no haber tenido el respaldo de Oprah.

Calificación 7/10

Fantastic Mr. Fox

2010-03-15T11:03:00.000-07:00

Wes Anderson es un director que se niega a ir por los caminos más transitados del cine, su filmografía, en la que sobresale The Royal Tenenbaums, así lo confirma.

En su más reciente trabajo incursiona en el cine de animación, pero mientras la tendencia y la lógica indican que es mejor utilizar las imágenes generadas por computador, Anderson va contracorriente y decide utilizar el clásico método Stop Motion.

La película se llama Fantastic Mr. Fox, un ejercicio lúdico, y de creatividad, en el que el director juega con las imágenes y las voces de los protagonistas, para lograr un producto digno de ser visto, y escuchado.

La trama es sencilla, un viejo zorro, devenido en esposo y padre de familia ejemplar, extraña sus aventuras de juventud, cuando se dedicaba a robar gallinas, por lo que decide recordar viejos tiempos; sus acciones traerán consecuencias, no solo a su familia, también a sus vecinos.

Se trata de una cinta de animación, pero no es una historia exclusiva para niños, el desparpajo que se le infunde a los personajes hace que pueda ser disfrutada por todo público; es posible que, incluso, la disfruten más los mayores.

El filme discurre a buen ritmo, aunque hay momentos en los que decae, debido a que algunas secuencias son repetitivas; sin embargo, la gran interpretación de los actores y la música ponen la nota alta.

El elenco que presta sus voces es de lujo: George Clooney es Mr. Fox; Meryl Streep es la señora Fox; a ellos se unen: Jason Schwartzman, Ash; Bill Murray, Badger; Willem Dafoe, Rat; Owen Wilson, Skip; juntos dan vida a los exéntricos personajes de esta producción.

El cine de animación sigue dando saltos cualitativos, los directores se preocupan por los guiones; por lo que el público adulto las disfruta cada vez más.

Calificación 8/10.

Apuntes sueltos sobre la noche de los "Oscar"

2010-03-08T07:07:00.000-08:00

1. El 2009 no fue un año excelente para el cine, pero estuvo bien que ganara The Hurt Locker, que junto a Up In The Air y Up fueron lo mejor del cine estadounidense.

En este caso, ganó el cine. Cameron se quedó sin Oscar, pero con los bolsillos llenos.

2. Bien otorgado el Oscar a Katrhyn Bigelow, además de merecerlo, hizo historia al ser la primera mujer que lo recibe. Significativo que haya sido Barbra Streisand la designada para entregarlo. Por otro lado, estaba el morbo de saber si le ganaría el duelo a su ex, y lo ganó por goleada, 6 a 3. También tenía a su favor el hecho que a los miembros de La academia les gusta imponer este tipo de récords y Bigelow les dio la oportunidad.

3. No hubo sorpresas, ni sobresaltos, en los premios a los actores, se confirmó lo que ya se sabía desde hace semanas: Jeff Bridges y Sandra Bullock mejores actores principales; Christoph Waltz y Monique, mejores actores de reparto. Ellos lo merecían, ellas no tanto.

4. Michael Haneke no les cae bien a los miembros de La academia, quienes quizá el único filme de los nominados a mejor película en habla no inglesa que vieron fue El secreto de sus ojos, no se explica de otra forma por qué le dieron el premio. Cabe decir que la cinta argentina era la más comercial y de fácil comprensión.

5. Precious ganó como mejor guión adaptado, cosa rara si se considera que la película es fragmentada, inconexa y en muchos pasajes incoherente.

6. Steve Martin y Alec Baldwin no fueron buenos anfitriones. El acto introductorio fue monótono, sin gracia y, por momentos, de mal gusto. (Se extrañó a Hugh Jackman, no digamos a Billy Cristal).

7. ¿Por qué homenajearon a John Hughes?

8. Se olvidaron de Farrah Fawcett en el homenaje a los que murieron el año pasado.

9. En general, la gala estuvo aburrida, pero lo peor fue la forma en que Tom Hanks anunció a la ganadora, ni siquiera mencionó a las nominadas; se paró, abrió el sobre y, de golpe, terminó con la velada.

La sexta, después de seis episodios

2010-03-04T07:31:00.000-08:00

Después de transmitidos seis episodios de la última temporada de Lost, si se intenta hacer una crítica objetiva, puede decirse que el balance no es bueno; sin embargo, los fanáticos le siguen dando el beneficio de la duda. Algunos se han dedicado a disfrutar y agradecer por el entretenimiento que han tenido en los cinco años anteriores; otros piensan que los últimos tres episodios serán de antología; solo un pequeño grupo se atreve a lanzar duras críticas y exigen más calidad, pues opinan que siendo el final cada entrega debería hacerlos saltar de emoción; eso sí, todos claman porque los misterios sean resueltos de forma convincente.

Algo que no se puede negar es que la calidad de la producción bajó considerablemente, los buscadores de gazapos se han dado gusto, aunque no la han tenido difícil, pues algunos fallos técnicos saltan a la vista. Otro de los elementos que contribuyen al bajón es el correspondiente a los diálogos, ni por asomo mantienen la naturalidad de las primeras temporadas; quizá los mejor logrados son los de Hurley, es de los pocos personajes que mantienen el perfil.

De cualquier forma la expectación se mantiene, no es atrevido mencionar que es la primera serie que ha sido seguida en tiempo real por internet. Como si fuera un partido del Real Madrid contra el Barcelona, existen gran cantidad de sitios que retransmiten los episodios, algunos incluso los subtitulan con un retraso de segundos. Luego de la emisión es posible encontrar los links de descarga casi de inmediato, ya con subtítulos incluídos.

Los foros en los que se comenta la serie son incontables, incluso hay algunos en los que el autor del sitio se dedica a tiempo completo a actualizar material.

No será la mejor serie de la historia, pero si de las más entretenidas, la que mayor expectativa ha creado y, sobre todo, la que más elucubraciones y creación de teorías.

Sin duda, la mejor de las seis temporadas fue la primera, cuando el humo negro era la representación de los miedos y las culpas de los personajes. Ante el éxito, los productores tuvieron que encaminarse hacia otros territorios, han cambiado mucho sobre la marcha. En uno de los bonus track de la primera temporada, los creadores cuentan que ellos llegaron ABC con una idea y se las compraron, que les pareció increíble que los contrataran sin tener el guión escrito.

El mérito de la serie es que a estas alturas todavía no es posible adivinar lo que sucederá al final, muchas preguntas están sin responder (me temo que así quedarán). Pero hay algunos indicios que ayudan a aventurarse a explicar el final (no soy de los que gustan de crear teorías, más me he dedicado a disfrutar el entretenimiento que la serie me brinda, pero voy a intentarlo). Por ejemplo, los llamados sideways, pueden ser, al final, la narración del futuro de los personajes, un futuro en el que la vida de la mayoría ha tenido giros radicales, la única que parece no haber tenido cambios es Kate, pues sigue siendo fugitiva.

Hay indicios que llevan a pensarlo, los personajes que han aparecido en la realidad parela han sido tocados o visitados por Jacob, y cada uno ha recibido alguna recompensa: Jack tiene un hijo y la oportunidad de ser mejor padre que el suyo. Locke está inválido, pero tiene a la mujer que ama. Hurley es el hombre más afortunado del mundo. Rose sigue con cáncer, pero tiene paz. Jin y Sun han escapado de su padre y, a pesar de los problemas, se intuye que pronto estarán juntos. Sayid sigue siendo víctima de las circunstancias, pero tiene la oportunidad de recuperar a la mujer de su vida, o al menos estar cerca de ella. Ben parece tener buena vida de profesor. Dogen es un feliz padre, en su futuro su hijo ha sobrevivido. En resumen, lo que se muestra, aparentemente, es una mejor vida, en donde la isla es solo un deja vu.

Por supuesto que en el camino deben resolverse todos los misterios, al menos eso se espera.

Calificación de los capítulos 4, 5 y 6.
Cuatro 7/10
Cinco 7/10
Seis 9/10

Un hombre serio

2010-03-01T08:20:00.001-08:00

Es casi un axioma el hecho que llegados a los cuarenta años los seres humanos se cuestionan la existencia. Algunas veces el detonante de la crisis existencial llega producto de la introspección, otras se desencadena por pequeños golpes que da la vida.

La más reciente película de los hermanos Cohen, A Serious Man (Un hombre serio), es quizá el trabajo más personal de estos genios del cine, por lo que las concesiones hacia el espectador son pocas. Se trata de la historia de Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), un profesor de física, de cuarenta y dos años, quien imparte clases en una universidad cuya población es mayormente judía. Su entorno se ve alterado por una serie de sucesos que lo llevarán a enfrentar su particular crisis existencial.

Joel y Ethan Cohen han tenido la inteligencia para aprovechar las posibilidades comerciales, al incluir en su filmografía a nombres mediáticos como George Clooney, Tom Hanks y Brad Pitt, por mencionar algunos; al tiempo que han logrado mantener su independencia creativa. Un hombre serio constituye la mirada al microcosmos judío en el que crecieron.

Inicia la cinta con un impresionante relato, más por la forma en el que es contado, que por la originalidad del mismo. Es un cortometraje que, en palabras de los directores, no tiene nada que ver con el desarrollo posterior del filme (ese tipo de licencias se permiten). Luego viene la narración de las vicisitudes de Gopnik.

Es una producción que, de acuerdo a lo que se ve en pantalla, parece ir hacia ningún lado; la historia es bastante sencilla y los eventos llevados a ascena son cotidianos, contados a ritmo lento.

El argumento crea muchas más cuestionamientos de los que resuelve, esa es la intención, y puede llegar a volverse críptico, pues se desarrolla en un ambiente completamente judío; ese puede ser un punto en contra.

Una vez más, los Cohen demuestran la habilidad que tienen para extraer lo mejor de sus actores. Michael Stuhlbarg construye un personaje que transmite la angustia existencial por la que atraviesa, su actuación es contenida y su rostro refleja, de gran forma, los estadios emocionales de Gopnik. El reparto hace lo suyo, todos a gran nivel.

De corte intimista, con el acostumbrado humor negro; mucho más oscura, en cuanto a la creación de múltiples preguntas sin respuesta, que sus producciones anteriores; Un hombre serio es cine hecho para poner a meditar al espectador.

Calificación 8/10

Ajami

2010-02-22T07:18:00.000-08:00

Mientras el mundo sea cada vez más violento, el cine tendrá que ser cada vez más realista; no hay otra forma de mostrar la realidad inmediata, no cuando se trata de llevar a la pantalla historias de seres humanos que viven en circunstancias apremiantes.

Ajami es un barrio situado en Jaffa, en Tel Aviv; ahí habitan y convergen diversas culturas y religiones: judios, cristianos, musulmanes; israelíes, árabes, palestinos; y la mezcla de unos y otros. Ajami es también el nombre de la película dirigida por el israelí Yaron Shani y el palestino Scandar Copti.

La cinta narra, por medio de una historia coral, el diario vivir de los habitantes de aquel barrio.

No se trata de una película sobre el conflicto palestino-israelí, ni sobre los problemas religiosos; es un relato que muestra como las personas tienen que convivir con la violencia y como los que pretenden estar al margen son arrastrados por una fuerza que es incontenible.

La acción se desata cuando un tipo entra a pedir el impuesto a un negocio; con metralleta en mano exige que el dueño le pague tributo, pero antes de hacer valer su posición uno de los clientes le da muerte, lo que provoca que los miembros de su familia busquen venganza.

El tiene puntos de contacto con títulos como: Ciudad de Dios; Pandillas de Nueva York; El callejón de los milagros, por ejemplo; pero a la violencia provocada por el desarrollo del crimen organizado, agrega la complejidad de la convivencia entre etnias históricamente distanciadas, por los motivos que todos conocen.

Al igual que en Ciudad de Dios, los personajes son interpretados por actores afcionados, habitantes de Jaffa, situación que da mayor proximidad a la realidad. A pesar de no ser profesionales, o quizá por ello, sus actuaciones están arriba del promedio.

Ajami es una producción de poderoso contenido, sus pocos defectos se pueden encontrar en la estructura narrativa, en la que se utilizan recursos popularizados por el cine de Tarantino, en donde se muestra la misma escena desde distintos puntos de vista.

Calificación 9/10

PD

Termino con esta reseña el recorrido por los filmes nomidados a mejor película extranjera, que muchas veces suelen ser las mejores propuestas entre los candidatos al Oscar.

Pese a que el 2009 no fue un año excelente para el cine, la mayoría de películas pueden ser calificadas de convencionales, quizá en tres de los cinco títulos de habla no inglesa puede encontrarse lo mejor del año pasado, específicamente: El listón blanco (o La cinta blanca), Ajami y Un profeta. La teta asustada queda por debajo de las mencionadas, no digamos El secreto de sus ojos, la sobrevalorada cinta de Juan José Campanella, que puede considerarse la intrusa entre los nominados; fácilmente había otras cintas superiores.

Un profeta

2010-02-15T08:24:00.000-08:00

Las historias relacionadas al crimen organizado siempre tendrán espacio en el cine, de ahí que de forma recurrente se filman nuevos títulos. De los años recientes se pueden mencionar: Gomorra y The Departed.

El tema es arriesgado, pues ante la abundancia se hace difícil encontrar originalidad y evadir los clichés.

Malik El Djebena es un joven delincuente, de origen árabe; a los diez y nueve años es encerrado en una prisión de alta peligrosidad, en donde deberá aprender a sobrevivir. Interpretado por Tahar Rahim, Malik es el protagonista de Un profeta, producción francesa dirigida por Jacques Audiard.

Se trata de una película en donde el director elabora un producto que bordea los límites del lugar común, pero gracias a las grandes actuaciones, la música, la disposición de la cámara y la inclusión de elementos oníricos, entre otros, obtiene un poderoso conjunto.

El protagonista principal habrá de realizar, dentro de prisión, una especie de viaje iniciático, en el que su instinto de sobrevivencia lo llevará a reñir, de forma permanente, con su conciencia; en ese sentido, la actuación de Tahar Rahim es excelente. Su personaje está construído desde la expresión facial, y a medida que avanza el metraje se observan los saltos cualitativos que experimenta, producto de las circunstancias.

En la prisión hay bandos, uno de ellos es liderado por César Luciani (Niels Arestrup), de la llamada mafia corsa. Su interpretación es pausada y demuestra carácter.

La narración es lineal, con algunos saltos hacia atrás, además se incrustan escenas en donde Malik parece hablar con él mismo, situación que sirve como metáfora de su conflicto interno.

No se profundiza en el funcionamiento del crimen organizado, el filme es la puesta en escena del día a día en prisión. La cinta, a pesar de no ser ciento por ciento original, tiene fuerza y está muy bien realizado.

Compite por el Oscar a mejor película en habla no inglesa.

Calificación 9/10

Lost, 6ª temporada. Episodios 1, 2, 3

2010-02-11T15:58:00.000-08:00

Lost cautivó, en los últimos cinco años, a millones de televidentes de todo el mundo.

La serie se convirtió en todo un fenómeno, los guionistas se las ingeniaron para dar giros inesperados en cada temporada, por lo que el número de preguntas que fueron quedando sin responder se acumularon. He ahí uno de los principales motivos por los que todos esperan, año con año, semana a semana, un nuevo episodio.

El problema es que los misterios se multiplicaron, hay al menos uno por cada personaje, y a lo largo de toda la serie han aparecido más y más; sin contar los líneas narrativas alternas que se han agregado.

Desde que se anunció que todo terminaría al final de la sexta temporada, la ansiedad de los aficionados se incrementó. Hoy día ya han sido transmitidos tres episodios, faltan quince. El reto que tienen los productores es enorme, pues la ansiedad por tener las respuestas se ha acrecentado.

Lo presentado hasta ahora no ha estado a la altura de lo que se esperaba. La premiere, un episodio doble en el que se respondieron algunas preguntas, y creó otras más, como el tema de la realidad alterna y cómo es que el humo negro toma forma humana, agregó ansiedad al asunto, no dejó satisfechos a la mayoría y ya se empiezan a escuchar y leer buen número de comentarios de los inconformes.

Observando el nivel técnico de los episodios, se puede decir que ha disminuido, el tono cuasifílmico que tenían las primeras temporadas ya no está presente. Las locaciones se ven algo descuidadas, el templo, por ejemplo, no está bien construído.

Con respecto a las actuaciones, no se nota la frescura de años anteriores. Ninguno de los actores ha estado consistente, pero los que más han sufrido el giro que tienen que dar a sus personajes son: Matthew Fox y Terry O’Quinn.

La parte más importante, la que se refiere al desarrollo argumental, no ha caminado. Se esperaba que los episodios de la sexta temporada tuvieran ritmo vertiginoso y que se fueran aclarando los misterios; eso hubiera sido lo correcto, porque no se puede esperar que resuelvan todo hasta el final final.

Los episodios 1 y 2 sirvieron para contener el ímpetu de los fans, pero el 3 puede considerarse un relleno, en donde no pasa mayor cosa. Las opiniones están divididas, algunos lo consideran un fiasco, otros piden paciencia, que ya vendrá lo bueno.

No es adecuado que el nudo se empiece a desatar hasta mediada la temporada, tiene que haber algo en cada episodio, de lo contrario será una decepción colectiva.

Calificación:
Episodios 1 y 2 7/10
Episodio 3 6/10

La teta asustada

2010-02-08T07:00:00.000-08:00

Con alguna excepción, todos los países de América latina pasaron por épocas de terror institucionalizado. Las guerras de guerrillas y los planes contrainsurgentes establecieron la cultura del miedo, que se transmitió de generación en generación.

Los tiempos han cambiado, ya no hay guerras internas; hoy día se tienen maras, pandillas, favelas violentas, crimen organizado, narcoterrorismo; el miedo sigue existiendo.

En Perú fueron el terrorismo, representado por Sendero luminoso y el gobierno, en su lucha por erradicarlo, los encargados de promever el miedo. De ahí nace el hilo argumental de La teta asustada, producción peruana, dirigida y escrita por Claudia Llosa.

La historia se desarrolla en torno a Fausta (Magaly Solier), una joven encerrada en sí misma, que padece una enfermedad cuasimitológica transmitida por medio de la lactancia materna.

La película está ambientada en la época actual, no hay enfrentamientos armados, ni nada por el estilo, pero el personaje principal es la representación del temor adquirido como herencia genética. En ese sentido hay un buen trabajo de cámaras, pues la mirada de Fausta es captada como si estuviera viendo a escondidas, con timidez. La actuación de Magaly Solier funciona, dentro de sus limitaciones como actriz logra transmitir el estado de ánimo que requiere el papel.

El guión está cargado de simbolismos, en principio ese es un mérito;pero se llega a abusar del recurso, algunas veces se presentan demasiado explícitos y otras se vuelven oscuros; no hay equilibrio ni giros en la narración, por lo que el conjunto termina siendo disperso.

Cuando se trata de cine realizado con bajo presupuesto se tiende a ser indulgente. Por supuesto que lograr un buen filme a pesar de las limitaciones es meritorio, pero se debe mantener la objetividad. La teta asustada es un trabajo decente, con más fallos que aciertos, pues la puesta en escena sufre las deficiencias del guión, reflejado en lo inconexo de algunas escenas y la falta de desarrollo de los personajes.

Está nominada al Oscar, por mejor película en lengua no inglesa, pero si todo sucede de acuerdo a la lógica, no tiene ninguna oportunidad frente a La cinta blanca de Haneke.

Calificación 6/10

The hurt locker

2010-02-01T07:54:00.000-08:00

En el cine, el género de acción es uno de los más atractivos para el gran público; quizá sea por el desborde de adrenalina que genera.

El problema del cine de acción es que fácilmente se cae en la destrucción de escenarios de forma gratuita, solo para causar efecto en el espectador; por eso es necesario que el director encuentre el razonable equilibrio entre los destrozos y la lógica de cada secuencia.

Kathryn Bigelow, creadora de una filmografía nada extraordinaria, en la que resalta, fácilmente, point break; provoca nuevamente el debate de si una mujer merece, o no, ganar el Oscar, por mejor directora. Discusiones aparte, su más reciente trabajo, The hurt locker, supera todo lo que de ella se ha visto.

El escenario es Irak, los protagonistas son tres integrantes de un escuadrón antibombas, en donde el líder, un tipo adicto a la adrenalina, expone su vida en cada incursión, al tiempo que expone la de sus compañeros.

Aunque esté ambientada en la guerra de Irak, se trata de una película de acción pura, en donde la directora se las ingenia para mantener la emoción al máximo durante los ciento treinta y un minutos de metraje. Con leves pausas entre escena y escena, la tensión se mantiene a base de utilizar acertadamente la música, los silencios, la cámara en mano, el cambio de planos, los acercamientos al rostro de los actores, la cámara lenta; en ese sentido el mérito es de Bigelow.

La cinta no profundiza sobre las motivaciones o el absurdo de la guerra, únicamente es la puesta en escena del día a día del comando antibombas, integrado por: sargento William James (Jeremy Renner); sargento J.T. Sanborn (Anthony Mackie); Owen Eldridge (Brian Geraghty); los tres generan la química necesaria para que sus actuaciones y caracteres congenien en pantalla. Sobresale el personaje de Renner, quien imprime un sello especial a su actuación.

The hurt locker es cine de acción en su máxima expresión, bien hecho, con las suficientes escenas para brindar sobresalto tras sobresalto al público.

Calificación 9/10

Up in the air

2010-01-25T05:39:00.000-08:00

Entre otras cosas, la vida es la contínua sucesión de paradojas; en donde suceden eventos, a tiempo o destiempo, que pueden salvar o hundir la existencia. De la misma forma, hay etapas en las que se vive despreocupadamente, sin tener responsabilidades; y otras en las que parece necesario adquirir obligaciones o tener alguien a quien cuidar o con quien compartir; el hecho es que cuando se adopta un estilo distinto, se extraña lo que se hacía en el anterior.

Jason Reitman es un tipo listo, canadiense él, nacido en 1977, de profesión director de cine, el mejor trabajo del mundo, según palabras de James Cameron. Debutó en 2005 con Gracias por fumar, ácida comedia sobre el negocio de las tabacaleras. Su segundo título, Juno, sensible comedia acerca del embarazo juvenil, fue estrenado en 2007. Su más reciente trabajo, en 2009, se llama Up in the air, en español, literalmente, sería: Arriba en el aire; ya vendrá algun traductor, de esos que ponen nombres disparatados, a titularla Amor en el aire.

La cinta cuenta la historia de Ryan Bingham, interpretado por George Clooney, un ejecutivo cuyo trabajo es despedir a empleados de empresas en proceso de reorganización. Su campo de acción se extiende a todo Estados Unidos, por lo que se ve obligado a estar de viaje la mayor parte del tiempo, al grado que llega a sentir que su casa son los hoteles y que su apartamento es un lugar de paso. Bingham adora su estilo de vida, y todos los privilegios obtenidos al acumular membresías VIP; su máxima meta es acumular diez millones de millas de viajero, algo que muy pocos han logrado.

En clave de comedia, la película aborda varios temas de contenido humano: el desempleo, la crisis económica, la soledad, la falta de responsabilidad, el desarraigo, el amor, la amistad, el apego a las cosas materiales, la familia, por mencionar algunos.

Al protagonista principal se agregan, Alex (Vera Farmiga), la contraparte femenina de Bingham; y Natalie Keener (Anna Kendrick), una joven que debe acompañar al personaje de Clooney en sus viajes.

El performance de los actores es excelente, cada uno representa su papel con aplomo y oficio, el talento y carisma de los tres también es evidente.

El filme es, en apariencia, light, pero bajo esa máscara se descubre un guión inteligente, que tiene como referencia cercana la novela La insoportable levedad del ser, de Milan Kundera. La filosofía de vida de Ryan Bingham es sencilla, incluso da conferencias al respecto, llevar siempre una mochila vacía, de esa forma no se crean vínculos y se viaja, o se vive, liviano.

Dice Kundera, en el mencionado libro: ¿Pero es de verdad terrible el peso y maravillosa la levedad?

La carga más pesada nos destroza, somos derribados por ella, nos aplasta contra la tierra. Pero en la poesía amatoria de todas las épocas la mujer desea cargar con el peso del cuerpo del hombre. La carga más pesada es por lo tanto, a la vez, la imagen de la más intensa plenitud de la vida.

Cuanto más pesada sea la carga, más a ras de tierra estará nuestra vida, más real y verdadera será.

Por el contrario, la ausencia absoluta de carga hace que el hombre se vuelva más ligero que el aire, vuele hacia lo alto, se distancie de la tierra, de su ser terreno, que sea real sólo a medias y sus movimientos sean tan libres como insignificantes.

Entonces, ¿qué hemos de elegir? ¿El peso o la levedad?

Up in the air no es tan profunda como la novela del escritor checo, pero es cine inteligente y bien hecho, que da para la reflexión. Jason Reitman va en ascenso y logra superar sus dos anteriores entregas.

Calificación 9/10

Avatar

2010-01-18T05:26:00.000-08:00

Desde su nacimiento, al poner las imágenes en movimiento, el cine ha asombrado a todo el que haya asistido a alguna proyección.

En la medida que el asombro inicial se fue disipando, otros aspectos fueron tomando preponderancia; por un lado, la parte técnica no ha parado de evolucionar; por el otro, los personajes y la historia pasaron a ser lo más importante.

El avance de la tecnología ha propiciado un enorme salto cualitativo en el apartado de los efectos especiales, y algunas producciones han basado su éxito en aprovechar al máximo lo que con ellos se puede hacer.

Uno de los directores que más se ha apoyado en los efectos especiales, para forjar su filmografía, es James Cameron; de hecho sus inicios fueron como responsable de esa parte, en títulos como: Battle Beyond the Stars, 1980; Escape from New York, 1981.

En 1984, Cameron creo uno de los más iconográficos personajes del cine de ciencia ficción, The Terminator; lo repitió en 1991, previo a ello su carrera tuvo altibajos. Su éxito arrollador vino con la insulsa Titanic, que todo el mundo vio y adoró; por eso La academia lo llenó de Oscares, y él, los productores, los dueños de salas de proyección, las tiendas de video, y algún otro por ahí, llenaron sus bolsillos de dólares.

Puede decirse que en cada una de las tres décadas pasadas las taquillas han reventado, al menos una vez, por culpa de este cineasta; los números lo avalan como el director por excelencia del cine de entretenimiento puro. A finales de 2009 se estrenó su más reciente trabajo, que muchos han llamado la punta de lanza de la revolución del cine actual; luego de verla es posible afirmar que tal argumento es demasiado pretencioso.

Dicen que Cameron tuvo que esperar, durante varios años, a que la tecnología para rodar Avatar se desarrollara; la mayoría de quienes la han visto opinan que la espera valió la pena.

Al igual que Titanic, la cinta tiene como principal atractivo los efectos especiales. En ese sentido, la nueva propuesta de Cameron llena las expectativas, aunque es necesario verla en 3D para apreciarla al 100%

Para ver Avatar hay que considerar tres cosas. En primer lugar, se asiste a presenciar un espectáculo visual que, a pesar de ser único, puede llegar a cansar, pues luego de la primera hora se siente como que se estuviera viendo la repeteción del demo de un video de alta definición. Es innegable que las imágenes son hermosas, algunas llegan a rozar lo poético; sin embargo, se abusa del recurso y no se alcanza profundidad.

Pandora, el escenario en el que se desarrolla la acción, pretende ser la vuelta al paraíso, a las cosas elementales; de ahí que la película se transforme en una especie de alegato ecologista, esa es su mayor pretensión fuera de lo técnico.

En segundo lugar, hay que tener en cuenta que el guión es completamente trivial, los personajes no están desarrollados y sufren las consecuencias; los actores hacen el esfuerzo, y logran actuaciones decentes, principalmente Sigourney Weaber (Dra. Grace Augustine). La historia de amor es forzada y la toma de conciencia de Jack Sully (Sam Worthington) es artificial; entonces esta parte no funciona.

El tercer aspecto es el relativo a la originalidad del filme. Es cierto que, en su forma, las imágenes son novedosas, pero las referencias a otras producciones saltan a la vista. Casi todas las criaturas recuerdan el universo de El señor de los anillos; la irrupción de Jack Sully en la tribu de aborígenes alude directamente a Danza con lobos; la conexión al Avatar está emparentada con Matrix; por mencionar las más evidentes.

Avatar es un producto hecho para entretener, y lo logra en buena medida. Ha reventado las taquillas, ganó el Globo de oro como mejor película y para su director, pero no marcará un antes y un después para el cine.

Calificación 7/10

Donde viven los monstruos

2010-01-11T06:04:00.000-08:00

A pesar que todo adulto pasó por la etapa infantil, difícilmente existe alguno que entienda lo que hay en la mente de un niño; si alguien lo comprende no lo tolera. Es algo paradójico, quizá justificado, porque en la niñez no se tiene el nivel necesario de conciencia, por eso cuando se es mayor no se llegan a comprender los berrinches, el aburrimiento, la hiperactividad; en fin, todos los estadios emocionales de un chiquillo.

En la actualidad la cosa se complica, pues el bombardeo de la televisión, la Internet, y todos los avances tecnológicos, hacen más grande la brecha entre niño y adulto.

Adam Spiegel (Maryland, 1969), más conocido como Spike Jonze, es un director de cine cuyas películas escarban las zonas profundas del pensamiento. Aunque sus títulos más conocidos fueron realizados en colaboración con ese maestro de la escritura llamado Charlie Kaufman, su obra tiene el sello particular de los artistas; tanto Being John Malkovich, como Adaptation, buscan entrar en la mente de los protagonistas y desde esa perspectiva contar la historia; mostrar el fluir de conciencia en pantalla.

El más reciente trabajo de Spike Jonze se llama: Donde viven los monstruos, título en español para: Where the Wild Things Are. La película está basada en el libro de igual nombre, un pequeño cuento ilustrado, cuyo autor es Maurice Sendak. El volumen consta de once páginas, en donde los dibujos ocupan casi todo el espacio; cabe decir que es un muy buen cuento.

Jonze toma el libro y, fiel a su estilo, lo retuerce un poco. Max, el protagonista, es un niño de nueve años, quien siempre está solo, porque su hermana es mucho mayor que él y la madre trabaja. Una noche, en un estallido de rabia, sale corriendo de su casa, hasta que se encuentra con una pequeña embarcación, se sube, navega y llega a una isla poblada de monstruos; al principio se lo quieren comer, pero luego los convence que él será su rey.

Se trata de una cinta que mezcla personajes reales con animados, pero es animación más tradicional, en donde los monstruos están construidos con disfraces y la expresión facial fue realizada por computadora. Los muñecos se apegan fielmente a los originales; el resultado es brillante.

Cómo el director explica, no es un filme para niños; después de verlo se le da la razón, pues es un intento de penetrar en las motivaciones, en el por qué del comportamiento infantil. El protagonista se enfrenta a una especie de iniciación temprana, en donde tendrá que confrontarse a sí mismo, verse en un espejo de múltiples reflejos, cada uno con su particular forma de ser y que, al final, representan las emociones de Max.

Filmada con gran sensibilidad, pero sin concesiones, Donde viven los monstruos es una gran metáfora, no sólo de los monstruos infantiles, también de los que viven en cada una de las personas. Tomando acciones que parecen travesuras se llega a representar la condición humana; actos triviales o inocentes, que fácilmente llegan a convertirse en maldades.

Las voces de los monstruos están a cargo de actores reconocidos, como ya es costumbre en las producciones de animación: Chris Cooper, James Gandolfini, Catherine O'Hara y Forest Whitaker. Los adultos son: Catherine Keener, Mark Ruffalo. El niño es interpretado por Max Records, quien logra una excelente actuación. Cuenta el director que tuvo que hacer una infinidad de trucos en el set para extraer las más genuinas emociones de Max; incluso llegó él mismo a hacer las veces de tragafuego.

Spike Jonze consigue meterse, en alto porcentaje, en la mente del niño y lo muestra de gran forma en la pantalla; su recreación de lo que apenas se sugiere en el libro es formidable.

Calificación 9/10

Recomendaciones

2010-01-04T06:26:00.000-08:00

Las últimas dos semanas del 2009 han sido propicias para haraganear un poco, no mucho, algo nada más.

He visto algunas películas, muchos episodios de series de televisión, también he leído, pero no he escrito mucho.

Por ahora no hay reseña, pero si recomendaciones de las mejores cintas que he visto en los últimos días, espero que alguno las mire, para luego comentarlas por acá.

1. Donde viven los Monstruos, dirigida por Spike Jonze.

2. Invictus, dirigida por Clint Eastwood.

3. The hurt locker, dirigida por Kathryn Bigelow.

4. Precious, dirigida por Lee Daniels.

5. Avatar, dirigida por James Cameron.

6. Julie and Julia, dirigida por Nora Ephron.

7. Hangover, dirigida por Todd Phillips.

8. (500) Days of Summer, dirigida por Marc Webb.

Esas son algunas.

En general, el 2009 no fue un año excelente para el cine, pero algunas de las mencionadas arriba son de lo mejor del año.

Feliz 2010, que haya buen cine.

Inglorious basterds

2009-12-21T06:48:00.000-08:00

Cuando una película se basa en hechos reales el director se toma licencias para construir su obra; de esa cuenta, casi siempre hay transgresiones, pequeños pasajes que van en dirección distinta a lo que de verdad ocurrió. La libertad artística es importante, pero ¿hasta dónde es permitido manipular la verdad y construir universos diferentes, a partir de la propia creatividad?

En su más reciente título, Quentin Tarantino inventa una historia dentro de la historia; es decir, toma personajes reales, y los incrusta en una realidad alterna, creada por él.

Inglorious basterds, traducida al español como Bastardos sin gloria, es el nombre del filme. La acción se ubica en la Francia ocupada por los Nazis. Los protagonistas son: Hans Landa (Christoph Waltz), un coronel alemán, cazador de judíos; Shoshanna Dreyfus (Mélanie Laurent), una judía que escapa del coronel Landa; Aldo Raine (Brad Pitt), un teniente sanguinario, cuya misión es exterminar el mayor número de nazis; Donny Donowitz (Eli Roth), Archie Hicox (Michael Fassbender), Hugo Stiglitz (Til Schweiger), integrantes del batallón llamado “los bastardos”; Joseph Goebbles (Sylvester Groth), el segundo hombre en importancia de la Alemania nazi, después del Führer, y director de cine; Adolf Hitler (Martin Martin Wuttke); Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), actriz devenida en espía y doble agente a favor de las fuerzas aliadas; a ellos se agrega un número considerable de secundarios.

La historia se desarrolla en torno a Hans Landa y Aldo Raine, cada uno está inmerso en su cacería particular, que inevitablemente hará que lleguen a encontrarse.

Para analizar la película hay que ver dos aspectos. El primero es el que se refiere a la parte formal; en ese sentido se puede hablar de un producto realizado con excelencia. No cabe duda, Tarantino es un maestro para ensamblar todas las partes; la música, la fotografía, la dirección de arte, el maquillaje, el sonido, todo está al servicio de la historia; el conjunto es un espectáculo visual; todo matizado por esporádicos estallidos de violencia que se convierten en fuegos de artificio.

La estructura, entonces, es sólida; pero aquí viene el segundo aspecto, el relativo al argumento. Desde que debutara, en el cine, con Perros de reserva, el mayor atractivo de las cintas de Tarantino ha sido el guión; todos sus trabajos anteriores están cargados de diálogos inteligentes y situaciones que, aunque absurdas, resultan verosímiles; Inglorious basterds tiene algo de eso; sin embargo, esta vez se le va la mano.

El problema es que, a pesar de ser una historia muy bien contada, no se llega a algo concreto; se pasan los más de ciento cincuenta minutos de metraje y se tiene la sensación que la cinta va para ninguna parte. Se puede decir que es el absurdo del absurdo.

Los personajes de Inglorious basterds son caricaturescos, esa es la intención, el mejor logrado es el interpretado por Christoph Waltz, su caracterización de Hans Landa es maginfica. Los demás personajes están bien representados, Tarantino demuestra, una vez más, que es capaz de obtener lo mejor de sus actores.

La trama y el desarrollo de los hechos da lugar a distintas interpretaciones, aunque al final es difícil saber que quizo decir el director. Se está en presencia de una producción de impecable factura, pero que tiene un guión incomprensible; no porque sea profundo o enredado, todo lo contrario, es lineal y de fácil resolución.

¿Alguien sabe en dónde quedó el Tarantino que escribíó los guiones de Perros de reserva y Pulp Fiction?

Calificación 7/10

Up

2009-12-14T06:11:00.000-08:00

Pixar reinventó el cine de animación en aquel ¿lejano?, ¿cercano?, 1995, cuando dejaron boquiabiertos a público y crítica, de todo el mundo, con Toy Story, la primera película realizada completamente por computadora; desde entonces han dominado el mercado, seguidos desde lejos por Dream Works y Fox.

El éxito de Pixar se ha fundamentado en que supieron reclutar a un buen grupo de talentosos directores y escritores, entre ellos: Brad Bird (Los increibles , Ratatouille), Andrew Stanton (Buscando a Nemo, Wall-E), Pete Docter (Monster Inc., Up); encabezados por ese genio llamado John Lasseter (Toy Story, Cars), quien además de dirigir y escribir es el productor ejecutivo de la mayoría de los proyectos. Admiradores confesos de Hayao Miyazaki (Heidi, Marco, El viaje de Chihiro), entre todos han sabido poner el listón en alto y superarlo con cada nueva producción.

El más reciente producto salido de las computadoras de Pixar se llama Up. Se trata de una encantadora historia, que combina hábilmente el entretenimiento puro con la parte humana, si se puede llamar de esa forma, pues se trata de un filme de animación.

Carl Fredricksen es un viejo ermitaño, quien permanece en su casa resistiendo el avance del mundo moderno. Su vida no siempre fue así, tuvo niñez, conoció el amor y vivió feliz, hasta que le tocó quedarse sólo. En algún momento de esa soledad su vida da un giro: el progreso lo apremia, por lo que tiene que tomar decisiones al respecto; también aparece Russell, un niño explorador, de ochos años de edad, cuyo gran objetivo es ayudar a una persona mayor, de esa forma podrá ganar la última insignia que hace falta en su colección.

Aunque suene a balada pop, la vida está hecha de momentos y de la suma de recuerdos, agradables o desagradables, alegres o tristes; pero tampoco se trata de vivir anclado en la memoria, la idea es partir de lo pasado y tratar de reinventar el día a día, para no caer en la rutina; de ahí que muchas veces sea necesaria una sacudida que ayude a retomar el rumbo.

Los personajes principales de Up viven en su mundo particular, por azares del destino llegan a encontrarse y todo cambia, de la interacción se deriva la aventura que se desarrolla en la segunda parte. Los primeros minutos, en cambio, presentan el lado sensible del argumento, en donde, a ritmo de la música de Michael Giacchino y con la casi total ausencia de palabras, las imágenes se encargan de transmitir la parte humana.

En la parte técnica la cinta, como siempre, no tiene agujeros; los colores, las facciones de los muñequitos, la profundidad de las imágenes, todo está bien logrado; solamente se puede señalar que el ritmo decae en algunos pasajes.

Lo de Pixar ha sido ir de un acierto a otro, logrando el equilibrio adecuado en sus guiones, de manera que sus películas dan para la reflexión adulta y para el entretenimiento de los niños, aunque los mayores también lo disfrutan; Up tiene esas cualidades.

Calificación 9/10

El pianista

2009-12-07T05:36:00.000-08:00

La inmensa mayoría de las personas vive en continua lucha contra la adversidad, algunos pierden, pero al final es mucho mayor el número de los que sobrevivimos, se puede decir, entonces, que la mayor fuerza que posee el ser humano se encuentra en el deseo de sobrevivir.

Las historias que dan cuenta de lo anterior son innumerables y el cine se ha encargado de recrear gran cantidad de ellas.

Uno de los pasajes más terribles que el ser humano ha sido capaz de ejecutar es, sin duda alguna, el holocausto judío perpetrado por la Alemania nazi.

Sobre el tema hay muchas películas, una de ellas es: El pianista, película que narra, con todo realismo, la odisea de Vladyslaw Szpilman en su lucha por sobrevivir al holocausto.

Se trata de una monumental producción dirigida por Roman Polansky, uno de los más reputados directores del séptimo arte (la referencia es hacia su obra como cineasta, no a la reputación ganada por su conducta), quien decidió hacer, finalmente, un ajuste de cuentas con su pasado alemán.

La música de Chopin, ejecutada al piano por Szpilman, sirve de marco para los primeros bombardeos y para fijar el rumbo que ha de seguir el filme. Desde la incredulidad inicial de los judíos, hasta la destrucción total que, los más afortunados, alcanzan a observar; todo montado de manera impecable.

La cinta está llena de logros artísticos, entre ellos se pueden mencionar: la textura que el director de fotografía confiere a los colores, nótese el tono grisáceo de la ciudad en ruinas, la luz que se cuela sobre el piano, las sombras proyectadas sobre el rostro de los personajes.

La dirección artística recrea con todo detalle los escenarios; el sonido logra transmitir al espectador los niveles de angustia que llegan a experimentar los protagonistas.

El conjunto de las actuaciones está a tono con los demás elementos, pero sobresale el trabajo de Adrien Brody, quien interpreta a Vladyslaw Szpilman, su actuación merece todos los elogios que se le puedan dar, pues con aparente sencillez elabora un personaje memorable; lo cierto es que se trata de un papel de enorme dificultad; póngale atención a los cambios en la expresión facial, al deterioro físico, a la expresión corporal, elementos que le valieron para ganar el premio de la academia, un mérito mayor si se toma en cuenta que competía contra Jack Nicholson, Michael Caine, Nicolas Cage y Daniel Day Lewis.

El pianista es un verdadero homenaje del cine al espíritu humano, a ese incontenible deseo de sobrevivir, es asimismo una muestra de que no basta con luchar, que algunas veces la suerte también es decisiva.

Calificación 10/10

¿Premios = buen cine?

2009-11-30T06:07:00.000-08:00

La temporada de premios da inicio en enero, por eso las películas que aspiran a estar entre las nominadas, la mayoría de las veces, son estrenadas, en los Estados Unidos, en noviembre y diciembre, para que estén frescas en la mente de los votantes.

Por estos meses a los miembros de academias; gremios de actores, de críticos, de directores; en fin, de todos los involucrados en la industria del cine, les llueven invitaciones a ver proyecciones privadas; copias en DVD, a las que les aparece un cintillo advirtiendo que es propiedad del distribuidor y que es únicamente para propósitos relacionados con la votación; y todo tipo de material que apoye a tal o cual producción.

La estrategia es promocionar los filmes principalmente en los Estados Unidos e Inglaterra, por eso el estreno en América latina se tarda un poco más. De alguna manera los cinéfilos salen beneficiados, porque los distribuidores van espaciando la llegada de las cintas nominadas a las carteleras. Se puede decir que la mejor época para ver cine es de diciembre de un año a marzo del siguiente.

Aunque las nominaciones, ni los premios, garantizan la calidad, sirven de referencia, pues la gran mayoría de cineastas, llámese Haneke o “Pepito de los palotes”, suspiran por estar entre los elegidos y se esfuerzan para que sus trabajos sean vistos.

Lo típico de las campañas de promoción es crear expectativas, de esa cuenta van filtrando a los medios, metódicamente, información de los títulos en contienda. Poco a poco, aparecen carteles, trailers, entrevistas; declaraciones del director, de los actores. No siempre el producto final satisface la expectativa creada y decepciona.

Para el año 2009, desde hace un par de meses, circulan listas con el nombre de los posibles contendientes. A menos que se hayan visto las películas, es imposible dar un pronóstico sobre quien puede ganar, pero echar un vistazo ayuda a saber lo que viene. Aquí van unos títulos.

Invictus: dirigida por el inefable Clint Eastwood. Es la biografía de Nelson Mandela; protagonizada por Morgan Freeman y Matt Damon. Los conocedores la colocan a la cabeza de todas las listas. Sin importar si vaya a ganar o no, los nombres que participan en la producción son garantía de algo bueno.

Precious: dirigida por Lee Daniels y protagonizada por, la desconocida, Gabourey Gabby Sidibe; es una historia de una chica afro-americana, abusada, embarazada y algunos otros problemas. Se trata de cine con etiqueta de independiente, que trae consigo una maleta llena de premios obtenidos en varios festivales, entre ellos: Sundance, Toronto y San Sebastián.

Nine: dirigida por Rob Marshal y protagonizada por: Daniel Day Lewis, Marion Cotillard, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench, Sophia Loren, Fergie, Kate Hudson; algo así como el dream team o los galácticos. Es un musical, además es el remake de Ocho y medio” de Federico Fellini.

Otros directores que se mencionan son: Peter Jackson, The lovely bones. Jason Reitman, Up in the air. Joel y Ethan Cohen, A serious man.

Ojalá no decepcionen.

La decisión de Anne

2009-11-23T06:00:00.000-08:00

Hay situaciones a las que nadie debería enfrentarse, entre ellas la enfermedad y muerte de un hijo. Cuando tal cosa sucede se recurre a todo lo que sea posible, muchas veces hasta lo imposible, para salvarlo. En el intento se rompen relaciones, se crean sentimientos de culpa, se acumulan frustraciones, se toman acciones que sobrepasan el límite de lo correcto, se adquieren deudas; nada vuelve a su estado normal.

Las historias que tienen como protagonistas a familias que tratan con enfermos terminales son recurrentes en el cine, aunque pocas logran trascender, pues se concretan a explotar el morbo y a tratar de tocar la sensibilidad del espectador mostrando el deterioro de quien padece la enfermedad.

Nick Cassavettes lo intentó en 2002 con John Q, en donde el protagonista (Denzel Washington) se ve obligado a tomar rehenes en un hospital para obligar a que le hagan un transplante de corazón a su hijo; aquel fue un intento fallido.

Ahora, en 2009, lo intenta de nuevo con My sister’s keeper, traducida al español como: La decisión de Anne o La decisión más difícil.

El argumento del filme se centra en la enfermedad de Kate, quien fue diagnosticada de leucemia; entonces sus padres (Sara, Cameron Diaz; Brian, Jason Patric), aconsejados por el médico, deciden tener otra hija, genéticamente diseñada para ser la donante perfecta y de esa forma salvar la vida de su hija mayor.

A pesar de tratarse de un mejor trabajo que John Q y que el guión daba para hacer una buena cinta, el director se enreda y no se atreve a bucear profundo en los dilemas éticos y morales; se concreta a mostrar escenas que hila a fuerza de introducir canciones, aunque bien seleccionadas, que crean atmósfera de videoclip. Además, se abusa en el manejo del flash back, en este sentido, la historia pudo haberse contado de forma lineal, pero se utiliza el recurso para crear tensión.

La parte rescatable de la película, sin ser extraordinaria, corresponde a las actuaciones. Cameron Diaz se desprende de sus roles habituales y se arriesga con un papel dramático; se nota que ha adquirido madurez y, puliendo un poco más el oficio, se le podría ver desempeñando personajes más adultos que los acostumbrados. Abigail Breslin (Anne), la carismática niña de Little Miss Sunshine, quien a sus 13 años ya ha participado en dieciséis cintas, da muestra que puede con papeles de mayor grado de dificultad. Sofia Vassilieva (Kate, la hija enferma), cumple bien con la tarea asignada, su personaje es el más difícil, si se toma en cuenta que debe mostrar el deterioro físico y someterse a sesiones de maquillaje. Alec Baldwin y Joan Cusack, el abogado y la juez, no soy muy exigidos, pero lo hacen de forma decente.

La decisión de Anne, es una producción que permite hacer algunas reflexiones y puede llegar a generar temas de discusión, ese es mérito del guión, basado en la novela de Jodi Picoult; sin embargo, los problemas de dirección van en detrimento de la película y casi la hacen naufragar. Se salva por muy poco, pero deja la sensación que en manos de un buen director hubiera resultado algo más atractivo.

Disponible en DVD.

Calificación 6/10

Farinelli

2009-11-16T06:36:00.000-08:00

Una de las tareas más difíciles que un ser humano puede enfrentar es ser padre, cosa rara, si se considera que la mayoría de las personas llegan a serlo. Todas las etapas son distintas, quizá cada una eleva el grado de dificultad; de alguna ayuda sería que los niños vinieran con manual de instrucciones incluido.

A falta de instrucciones, y de sentido común, muchos padres se arrogan el derecho de decidir qué será de la vida de los hijos. De ahí que existan muchos adultos frustrados, haciendo cosas que no les llenan, solo por complacer a sus progenitores.

Hay padres abnegados que van más allá, pues dirigen hasta el mínimo movimiento de sus retoños, ejerciendo en ellos, metafóricamente hablando, tal castración que su existencia se vuelve trágica.

En el siglo XVIII se daba la práctica de castrar (aquí si literalmente) a los niños que tenían dotes de cantantes, la intención era que su voz no cambiara y que se conservara el timbre de soprano cuando fueran adultos. Por aquellos años la ópera era uno de los principales entretenimientos de reyes, príncipes y otras realezas (o rarezas), por lo que buen número de padres buscaban que sus hijos desarrollaran su inclinación al canto, sin importar que en el intento perdieran algunos miembros viriles, pues si llegaban a ser del agrado de la nobleza se aseguraban el futuro.

Así nace el sobrenombre de los castrati, cuyo máximo exponente fue Carlo Broschi, más conocido como Farinelli.

En 1994 Gérard Corbiau, director belga, llevó al cine una versión libre de la vida del famoso cantante. En el estilo de Amadeus (una de las obras maestras de Milos Forman), el realizador construye la singular biografía de Farinelli y su hermano Ricardo.

La existencia de Farinelli fue marcada cuando su padre decidió castrarlo y posteriormente manipular a él y a su hermano para que fueran inseparables; uno cantaba y el otro componía las melodías; pero la relación de hermanos fue más allá, tenían un pacto por el que compartían las mujeres, que inicialmente eran seducidas por la hermosa voz del cantor.

Se trata de una película bien lograda, en donde la dirección de arte, al lado de la música y el vestuario, juegan el papel más importante. En ese sentido, la parte técnica es impecable. La voz de Farinelli fue creada por medio de la mezcla electrónica de las voces de dos cantantes profesionales, para tratar de alcanzar el nivel de la original; el resultado es sorprendente.

En la cinta aparece, de forma permanente, la imagen de Georg Friedrich Händel, con quien el protagonista desarrolla una relación, que va en doble vía, de odio-admiración.

El filme narra, con toda libertad, dejando de lado los prejuicios moralistas, los conflictos que se derivan de la relación de hermanos, de la que viven esclavizados, pues tienen que cumplir el deseo del padre.

Aunque se exagera un poco en la representación de Farinelli, a quien muestran como una especie de estrella del pop (quizá la opera era la música pop de aquella época), la construcción del personaje permite que Stefano Dionisi logre una muy buena actuación. Enrico Lo Verso (el hermano) y Jeroen Krabbé (Hándel), también hacen lo suyo, sus actuaciones están arriba del promedio.

La cinta tiene lapsos monótonos, pero el director se las ingenia para lograr que el conjunto mantenga la calidad.

Calificación 8/10

Asalto al tren Pelham 123

2009-11-09T07:36:00.000-08:00

Cuando se examina la filmografía de los actores que, a lo largo del tiempo, han sido reconocidos por su gran talento, siempre se encuentra que han realizado trabajos que están por debajo de sus posibilidades. Lo usual es concluir que, de seguro, necesitaban dinero, por eso aceptaron tal o cual papel.

Si se piensa en el nivel de vida que adoptan las estrellas: Viajes, fiestas, mansiones, joyas, ropa de diseñador, comidas de alta cocina, entre otros; y luego se hace un cálculo superficial de lo que facturan por película: entre un millón y veinticinco millones de dólares (dependiendo de la etapa en la que se encuentren; si han ganado un premio importante, el Oscar o el Globo de oro, por ejemplo, su cotización sube), y a eso se agrega lo que puedan ingresar por contratos de publicidad, resulta que las cantidades no son tan estratosféricas; por eso los pobrecitos se ven obligados a aceptar papeles de baja categoría, a cambio de tener trabajo constante.

Lo anterior es mera suposición, en la vida real hay otros factores que influyen en la calidad del trabajo de los actores: el guión, el director, la estado físico, la construcción del personaje, cosas por el estilo.

Dos pesos pesados de la actuación: Denzel Washington y John Travolta, son los protagonistas de: Asalto al tren Pelham 123. Los dos han tenido una carrera con altibajos, principalmente el segundo, pero el talento de ambos es innegable. A pesar de ser mencionados de forma consistente entre los más influyentes de la industria del cine, es común verlos en cintas menores, en las que apenas se percibe su real capacidad; esta del tren es una de ellas.

La trama gira en torno al secuestro de un vagón del metro, en una de las principales vías del sistema de transporte de New York. El desarrollo de los hechos es el tradicional: el secuestrador exige una cantidad de dinero y las autoridades deben cumplir con sus demandas. Travolta es el villano y Washington es, por azares del destino, el negociador. El reparto lo completan John Turturro y James Gandolfini. Con semejantes nombres se esperaba, como mínimo, buenas actuaciones; pero no sucede así.

El filme sufre las deficiencias del guión y la poca habilidad del director para aprovechar la capacidad de los actores. Aun así lo más rescatable es el trabajo de Travolta y Washington, a pesar de mantenerse la mayoría del tiempo, el primero en una atmósfera de penumbra, en la que apenas se ve de cuerpo entero; y el segundo, sentado, sin tener espacio para mostrar su expresión corporal.

Los roles secundarios son los que más padecen: Turturro interpreta al negociador oficial, pero entra pocas veces en escena y cuando lo hace, de inmediato queda de simple comparsa. Gandolfini personifica al alcalde de New York, su papel es pequeño y caricaturesco.

Asalto al tren Pelham 123, título en español para The taking of pelham 123, dirigida por Tony Scott (Man on fire, Deja vu), es una producción con pocos momentos lúcidos, por lo que el resultado final, aunque tiene dosis de acción y entretenimiento, deja poco para el recuerdo.

Calificación 5/10

Million dollar baby

2009-11-02T17:28:00.000-08:00

Con más de setenta años de edad, Clint Eastwood puede ser considerado el mejor director de cine de la actualidad. Su larga carrera lo ha convertido en uno de los íconos del llamado séptimo arte; sin embargo, ha sido en la plena madurez de la vida, cuando la gran mayoría de personas está pensando en el retiro (no importa cual actividad desempeñen), que ha logrado demostrar el máximo de su capacidad creativa.

En los últimos años no ha parado de producir: Gran Torino, El intercambio, Cartas desde Iwojima, son algunos de sus trabajos más recientes; en los que demuestra todo su oficio. Ya se espera con gran expectativa: Invictus, la biografía de Nelson Mandela, que muchos ponen como primera aspirante a la mejor película del año.

Un filme que mejor deja ver el talento de Eastwood, como actor y director es: Golpes del destino, título en español para Million dollar baby; en el se pone de manifiesto, una vez más, la gran sensibilidad de Eastwood para abordar el tema de la condición humana.

La cinta cuenta la historia de Maggie, interpretada por Hilary Swank; una camarera que ve en el boxeo el único medio para conseguir que sus sueños se hagan realidad.

En primera instancia, se puede pensar que se trata de la típica historia de boxeadores; es decir, alguien vence las dificultades, entrena fuerte y al final se corona como campeón del mundo. El desarrollo del filme va en ésta línea, pero el boxeo es un simple pretexto para contar la compleja historia de tres personajes memorables.

En la vida real son más los perdedores que los ganadores, los sentimientos de culpa son más pesados que cualquier otra carga, la necesidad de redención es, siempre, mayor al tamaño de la culpa que se lleva encima; pero también existe la lealtad, la amistad, el amor y los momentos en los cuales la vida parece compensar los sufrimientos; todo esto es tratado con singular maestría por el director.

La película está llena de aciertos, por un lado está el profundo y equilibrado guión; por otro, la magnífica fotografía, conformada por tonos grises y claroscuros, que sirven para acentuar las actuaciones, en especial la expresión corporal y facial de los protagonistas.

Mención aparte merecen las actuaciones: Hilary Swank elabora un personaje de gran dificultad, pues unido a un excelente trabajo físico, desarrolla un enorme trabajo intelectual. Clint Eastwood realiza el papel de Frankie, un atormentado entrenador de boxeo, a quien las culpas han convertido en sobre-protector y escéptico; el personaje que interpreta es parco, pero su actuación es abrumadora. Morgan Freeman es Eddie, un ex boxeador devenido en conserje y mejor amigo de Frankie; su interpretación tiene dos fases, una es la particular cadencia que confiere a la voz en off que narra la historia, la otra corresponde a su presencia en pantalla, ambas fases dan muestra de todo el oficio y talento de éste gran actor.

Million dollar baby, dirigida por Clint Eastwood, es una producción profundamente emotiva y trágica, filmada sin concesiones hacia el espectador, con giros inesperados y demoledores; su conjunto muestra que la esencia el cine no debe buscarse en los alardes técnicos, sino en la simplicidad.

Calificación 10/10

El listón blanco

2009-10-26T06:44:00.000-07:00

Reza el viejo postulado: La familia es la base de la sociedad. Un repaso superficial a la evolución de la humanidad, poniendo atención al lado violento, de donde han surgido los grandes criminales de la historia; permite comprobar que esclavistas, tiranos, genocidas, asesinos, ladrones, estafadores, narcotraficantes, sicarios, mareros, por mencionar algunas categorías; han tenido padre y madre y muchos de ellos quizá fueron educados en buenas familias.

No se trata de reducir el tema de la violencia a una deficiente orientación recibida en el seno familiar, pero ante las evidencias es obvio que algo se ha hecho mal.

Michael Haneke, Alemania 1942, es un cineasta obsesionado con explorar las zonas oscuras del comportamiento humano, su filmografía lo confirma (Funny Games, La pianista). Su más reciente trabajo, Das Weiss Band, que traducido al español sería: El listón blanco, bucea profundo en el comportamiento patológico de los habitantes de una pequeña villa en la Alemania de principios del siglo XX, en los años previos a la primera guerra mundial.

Filmada en impresionante blanco y negro, cuya escogencia responde a la necesidad de Haneke de crear una atmósfera lejana, según él mismo lo indica. Aunque también puede decirse que el color es una forma de afirmar categóricamente lo que se muestra en pantalla; es decir, las cosas fueron como se observa, sin puntos medios, sin tonos grises.

El planteamiento de la historia es sencillo: la voz en off de un anciano cuenta los hechos como pudieron haber sucedido, algunas cosas probablemente no estén muy claras en su memoria; lo cierto es que una serie de eventos violentos perturbaron la paz de aquella pequeña villa.

La cinta está compuesta de largos planos en los que la cámara se queda estática, esperando que alguno de los personajes entre en escena; situación que logra provocar angustia en el espectador.

Se ha anotado que se pone en evidencia el comportamiento patológico; sin embargo, hay que señalar que el director hace un retrato fidedigno del funcionamiento de las familias de la Alemania de aquella época; por lo que lo mostrado era, a su vez, normal. Se puede ver: un ministro protestante que pone un listón blanco en el brazo a sus hijos, como prueba de inocencia, pero si considera que se han portado mal, en castigo, los amarra a la cama; algún padre honorable que abusa de sus hijas; otro que tiene amante a quien explota sexualmente y se sirve de ella para que cuide a los niños; y varias familias más, en las que el denominador común es la violencia y la opresión en la que viven y son educados los hijos.

Tomando en cuenta la época en que sucede la historia, es fácil llegar a la conclusión que la intención de Haneke es poner en evidencia que el ambiente en el que crecieron esos niños fue el germen para que años después naciera el nazismo.

El listón blanco es un filme realizado magistralmente, su ritmo es pausado, casi estático; tiene la virtud de contar sin hacer alarde; el relato se va construyendo escena a escena, dando la sensación que nada está pasando, pero cuando se llega al bien logrado final se advierte que el conjunto es apabullante.

La película ganó en Cannes 2009 y representará a Alemania en los Oscares de este año, casi lo tiene asegurado.

Calificación 10/10

Zatoichi

2009-10-19T06:55:00.000-07:00

Uno de los principales objetivos del cine es entretener. Si una película cumple en ese sentido, entonces funciona. Por supuesto que los buenos directores aspiran a que su obra exprese un discurso personal y en la medida que esa búsqueda sea auténtica su filmografía también lo será.

El concepto cine-arte ha logrado que la obra de varios directores sea encasillada y por lo mismo deja de interesar al gran público. Apellidos como: Kurosawa, Bergman, Fellini, Kubrick, De Sica, Kar Wai, Kitano; por mencionar algunos de los más conocidos, suelen ser incluidos en las listas de autores cuyos filmes pueden ser motivo de ensayos académicos, por ejemplo. Está claro que tal cosa es innegable, pero que la obra de un director llegue a considerarse de culto no debería reducir el número de espectadores y, por el contrario, tampoco se puede desdeñar automáticamente el cine que no lleva la etiqueta de arte.

Takeshi Kitano, nacido en Umeshima, Adachi, Tokio, en 1947, es un director al que la crítica ha elogiado y, a partir de ahí, se le considera un cineasta de culto; su filmografía respalda todas las etiquetas y elogios que se le quieran dar; en pocas palabras, es un maestro del séptimo arte.

En 2003, un año después de haber estrenado Dolls, la que muchos consideran su obra maestra, encontró el eco del gran público con: Zatoichi, cinta ambientada en el siglo XIX, en donde un samurai ciego, quien se presenta como masajista, llega a una aldea dominada por pandillas que mantienen atemorizados a sus habitantes, a quienes obligan a pagarles tributo. Inevitablemente tiene que involucrarse en el conflicto, por lo que deviene en justiciero.

La producción está basada en una serie japonesa, realizada para cine y televisión entre los años 1962 y 1989; sin embargo, el mismo Kitano ha dicho que aunque se trate de una recreación, la historia es nueva y que quiso diferenciar el enfoque físico y psicológico del personaje.

La historia es la típica de espadachines japoneses, con matices que la hacen diferente. El guión es simple, sin pretensiones de profundidad; el director se divierte mientras filma y también divierte al espectador. Todo el conjunto evoca las viejas películas de acción, en donde los actores hacen gala de un histrionismo cercano al teatro del absurdo. Mención aparte merece la actuación de Takeshi Kitano, quien además de dirigir interpreta al samurai, dotándolo de carisma y credibilidad; pues siendo un viejo y ciego, no se puede pedir que haga alarde de agilidad para las batallas; por eso Zatoichi no pelea, Zatoichi mata.

La edición fílmica juega un papel importante, por momentos parece que la narración se interrumpe, de manera abrupta, pero la utilización del recurso del flash back” sirve para dar forma a lo que se cuenta, al tiempo que ayuda en la construcción de los personajes y a explicar sus motivaciones.

Zatoichi es la muestra de cómo un director con talento, y considerado de culto, también puede hacer cine de acción y comedia. En cada escena es posible observar: humor negro o ingenuo, acción, belleza plástica, coreografías, peleas. El resultado es entretenimiento en su máxima expresión, pero con el sello de un maestro.

Calificación 10/10

CINEFORO EN LIBRE CAFÉ: 3a avenida 6-51 zona 1

A todo aquel que pase por acá, lo invito a asistir al cineforo que se estará realizando el 24-10-09, a las 17:30 horas.

Veremos SLUMDOG MILLIONAIRE de Danny Boyle, luego intercambieremos ideas al respecto.

Los espero, la entrada es gratis.

Lost in translation

2009-10-12T07:21:00.000-07:00

Sin importar el tiempo que se lleva juntos, muchas veces la rutina se apodera de las relaciones de pareja. Cuando esto acontece se llega a experimentar una insoportable sensación de vacío y lo que resulta aún más difícil de sobrellevar, la soledad en compañía.

Pueden pasar años para que las personas caigan en la cuenta que su vida ha llegado a tal estado. Usualmente se acomodan, esperando que nada sobresalte sus vidas, aceptando el aburrimiento; pero con el conocimiento que ya nada existe entre ambos.

Perdidos en Tokio, título en español para Lost In Translation, es una magnifica producción que aborda el tema.

Sucede que un veterano actor, venido a menos dentro del mercado estadounidense, consigue el contrato para ser la imagen de una campaña publicitaria a realizarse en Tokio. Cabe aquí apuntar que, en la vida real, la fascinación de los japoneses por todo lo occidental ha permitido que muchos actores y deportistas logren, aunque sea en lo último de sus carreras, contratos millonarios. Por otro lado está una joven que tiene poco tiempo de casada, ella viaja a la capital de Japón acompañando a su esposo. Ambos encuentran en la enorme y estrambótica ciudad de Tokio los elementos necesarios que los hacen descubrir la soledad en la que viven.

Filmada sin alardes, la cinta toma como principal instrumento la imagen, pues aunque los diálogos pueden considerarse importantes y significativos, son las tomas aéreas de la ciudad, las largas escenas silenciosas y los primeros planos que se hacen de los protagonistas, los que transmiten con eficiencia los sentimientos de cada personaje.

Con el paso de los minutos Bob (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson) llegan a encontrarse, juntos habrán de eliminar el aburrimiento que les causa su estadía en Tokio, al tiempo que descubren y asumen el tedio de la vida que cada uno esta viviendo.

La química que surge entre los personajes principales pone en evidencia que, para que una relación de pareja trascienda, no se trata de la cantidad de tiempo que se haya vivido juntos, sino la intensidad con que se vivan los momentos.

Realizada sobre la base de un guión bien elaborado, en el cual se mezclan, con gran habilidad, momentos de drama y comedia, el desarrollo de la historia lleva a los protagonistas a experimentar un sentimiento muy cercano al amor, pero que apenas llega al contacto físico.

Perdidos en Tokio, dirigida por Sofía Coppola, es una película filmada con gran sentido cinematográfico y con mucha sensibilidad, en ella el manejo de la cámara y la expresión facial de los actores se convierten en los principales protagonistas, el resultado final es encantador.

Calificación 9/10

Distrito 9

2009-10-05T09:00:00.000-07:00

El tema de los aliens, los muertos vivientes y los vampiros, es cada vez más difícil de abordar; aun así hay directores que se la juegan, quizá porque es innecesario tener un guión bien estructurado para filmar noventa minutos de: sangre, explosiones, maquillaje y vestuario estrambótico.

Con todos los antecedentes del mundo, incluido un corto realizado por él mismo (Alive in Joburg), Neill Blomkamp, apadrinado por Peter Jackson, dirigió su primer filme y lo tituló Distrito 9.

Resulta que una nave extra-terrestre se queda flotando en los cielos de Johannesburgo, Sudáfrica. Transcurre el tiempo y no pasa nada, entonces el gobierno decide investigar que hay en el interior; encontrando un grupo de alienígenas enfermos e inofensivos. Los extraños seres, una especie de híbrido entre crustáceo y cucaracha, son ubicados justo debajo de su nave, formando, literalmente, un campo de refugiados.

Utilizando el recurso del falso documental, a manera de reportaje de televisión, la película inicia a ritmo vertiginoso, que logra mantenerse durante los primeros veinte minutos, en los que plantea una crítica directa a la segregación racial, el mal trato a los inmigrantes, la manipulación que de la miseria hacen los gobiernos (en este caso el de Sudáfrica) y las grandes corporaciones; entre otras cosas.

La cámara de Blomkamp muestra con total franqueza y conocimiento de causa, obtenido porque creció en Johannesburgo, los desmanes de un régimen que desprecia a todos los que son diferentes. Pero no sólo la gente en el poder tiene tal comportamiento, también los habitantes de la ciudad, ellos dejan salir su desconfianza y desprecio a quienes consideran están ocupando espacio y gastando el dinero que les pertenece. En ese sentido no hay alegorías, ni metáforas, es la recreación de la realidad, la puesta en escena del apartheid. Partiendo de ese punto, es posible decir que el relato tiene alcances globales, ahí sí se puede hacer analogía con la política que muchos países desarrollados tienen con respecto a los inmigrantes.

Pasada la primera parte el ritmo decae y el contenido social es sustituido por la acción y el entretenimiento, en donde lo más interesante es el cambio cualitativo que va sufriendo el personaje principal, Wikus van der Merwe, interpretado por Sharlto Copley, quien es el único que tiene un papel bien desarrollado; los demás son simples comparsas.

Cerca estuvo la segunda parte de echar a perder la totalidad, casi lo logra, pues aquí se utilizan todos los lugares comunes del género y las referencias a otros títulos son recurrentes; además, en la búsqueda de satirizar se llega a estigmatizar a los habitantes de Nigeria, porque no se habla de un grupo determinado, se generaliza.

Distrito 9 es una producción que vale la pena ver, pero hay que tomar en cuenta el cambio de enfoque que sufre después de la primera parte, para no decepcionarse. El conjunto es desequilibrado, tiene momentos para reflexionar y para divertirse.

Clasificación 7/10

CINEFORO EN LIBRE CAFÉ: 3a avenida 6-51 zona 1

A todo aquel que pase por acá, lo invito a asistir al cineforo que se estará realizando el 10-10-09, a las 17:30 horas.

Veremos ZATOICHI de Takeshi Kitano, luego intercambieremos ideas al respecto.

Los espero, la entrada es gratis.

Juno

2009-09-28T10:41:00.000-07:00

Las situaciones derivadas de un embarazo inesperado, es indiferente si le sucede a una pareja adulta, a una pareja de adolescentes o a una chica destinada a ser madre soltera; suelen convertirse en problemas. En algunos casos se llega a tomar la decisión de abortar, en otros se decide tener al niño.

Si una pareja logra planificar un embarazo, en todos los sentidos, incluyendo la parte económica, para garantizar el bienestar del nuevo ser; tal evento debería ser motivo de enorme felicidad; sin embargo, en la vida real pocas veces se logra.

Cuando un embarazo inesperado le sucede a una pareja de adolescentes, los problemas son mayores. Se involucran los padres, hermanos, tíos, hasta abuelos; y la suma de todas las opiniones adultas no llegan a generar una correcta solución.

El cine ha tocado el tema, pero casi siempre se va por el lado dramático. No son pocos los filmes que buscan calar hondo en la sensibilidad, a fuerza de presentar la parte oscura o trágica de una historia.

En 2007 fue llevado a la gran pantalla un guión de la escritora Diablo Cody (pseudónimo de: Brook Busey-Hunt), quien fuera descubierta por Mason Novick, un productor de cine. Novick encontró el blog de Cody, le pareció divertido y lo estuvo leyendo durante seis meses, hasta que finalmente la contactó para proponerle que escribiera una película. El resultado fue Juno, encantadora comedia que narra las peripecias de una adolescente fuera de lo común, quien cierto día decide que tiene ganas de perder su virginidad, de tal acto le queda, como efecto secundario, un embarazo.

En la vida no todo es tragedia y es refrescante encontrar una cinta que lo refleje, sin necesidad de echar mano de recursos artificiales. Juno (Ellen Page), la protagonista, tiene 16 años, pero su madurez es sorprendente, ella habla con desenfado, es mordaz, directa y tiene otras virtudes, pero también actúa de acuerdo a su edad. Cuando descubre que está embarazada evalúa las posibilidades, incluyendo la de abortar, finalmente decide que dará el niño en adopción, por lo que ella misma busca una pareja que pueda criar a su hijo.

Conforme avanza el filme, y al ritmo que su vientre crece, Juno experimenta cambios cualitativos en su forma de pensar, es un salto acelerado de niña a mujer; en donde, a pesar de su madurez, descubre muchas otras cosas de la vida, incluyendo que llegado el momento le tocará ser madre.

No se trata de un título realizado para crear polémica, lo que se muestra es que hay otras formas de encontrar soluciones, sin llegar a traumas y tragedias; en ese sentido el planteamiento de los hechos es audaz, porque en la vida real es inconcebible deshacerse de un hijo con tal facilidad, y cualquier situación por el estilo provoca rechazo, más en sociedades conservadoras.

La actuación de Ellen Page es impresionante, con toda naturalidad, ella se sumerge en su papel y dota de gran humanidad a Juno, aquí cabe la expresión: es como que si el papel hubiera sido escrito para ella. El tono de voz, la expresión facial, la forma de caminar, son elementos que destacan en la construcción de su personaje.

El elenco lo completan: Michael Cera es Bleeker, el padre de la criatura; Su porte desgarbado, su rostro confundido, su amor de adolescente, tienen credibilidad, es el complemento ideal para Page. Jennifer Garner es Vanessa Loring, la madre adoptiva; es sorprendente lo bien que actúa, aquí se demuestra que un director con talento puede lograr que un actor dé lo mejor de sí. Allison Janey es Bren, la madrastra de Juno; J.K. Simmons es Mac, el padre; ambos hacen gran trabajo en sus papeles.

Juno, dirigida por Jason Reitman (el mismo de Gracias por fumar), es la puesta en escena de un guión excelente, con personajes bien elaborados, diálogos inteligentes, tremendas actuaciones; hay que destacar, además, la música y el vestuario, de este último se puede decir que la escogencia de los colores es magnífica. Quizá peca de ser demasiado optimista, pero es muy recomendable.

Se puede ver estos días por Cinecanal.

Calificación 9/10

El hombre que no estaba ahí

2009-09-21T08:48:00.000-07:00

Al final, la vida es hermosa y vale la pena vivirla; pero no se puede dejar de lado que, muchas veces, es difícil sobrellevarla. Los más optimistas, ¿ingenuos quizá?, justifican las adversidades con la trillada frase pudo haber sido peor; ¿optimismo puro o consuelo de pobre? Cada uno lo verá de acuerdo a su perspectiva y experiencia.

De cuando en cuando el cine pone en el papel principal a algún personaje cuya vida, en apariencia, no tiene atractivo, alguien del montón, seres normales, sin mayor historia. Un ejemplo es: The man who wasn´t there, que traducido literalmente sería, El hombre que no estaba ahí.

Se trata de una lúcida, pero complicada película de la factoría de los hermanos Coen; en donde se cuenta la historia de Ed Crane (Billy Bob Thornton), un peluquero cuya existencia es totalmente insustancial y sin ninguna gracia, eso lo dice él mismo, aunque no literalmente.

Ed es una persona normal: tiene esposa, trabajo, es miembro conocido dentro de su comunidad; es decir, tiene una vida para vivirla; pero se encuentra inmerso en el vacío, por tal motivo toma decisiones encaminadas a revertir el rumbo.

La cinta es excelente, equilibrada en todas sus partes: guión excelente, con personajes bien construidos; dirección acertada; actuaciones magníficas; fotografía adecuada, el blanco y negro refleja mejor la expresión facial de los actores; por mencionar algunos, todos elaborando un brillante conjunto, en donde sobresale la fotografía.

El peso de la historia recae en Billy Bob Thornton, cuya actuación es enorme. Su personaje le da exacto sentido al título del filme, pues representa a un tipo que deambula por la vida, con una expresión de indiferencia, en donde no se sabe si ignora todo cuanto lo rodea o si es ignorado por su entorno.

El desarrollo de los acontecimientos lo llevan a pensar que la suerte está de su lado, pero el cúmulo de enredos lo conducen a un destino fatal que, en resumidas cuentas, puede ser real o inventado.

El hombre que no estaba ahí, producida, escrita y dirigida por Joel y Ethan Coen, pone de manifiesto el gran talento y oficio de estos dos cineastas.

Cargada de fino humor negro, de situaciones absurdas, algunas veces grotescas; en donde cada cosa que sucede, por paradójica que parezca, le da sentido a lo que se quiere mostrar.

Hay que tomar en cuenta que el planteamiento de los hechos no es simple, lo cierto es que cuando se hace el recuento final nada es lo que parece, por lo tanto, se exige total atención por parte del espectador.

Calificación 10/10

Grey Gardens

2009-09-14T08:35:00.000-07:00

Los desórdenes mentales se manifiestan de las formas más diversas, y raras. Es como dice la sabiduría popular: cada loco con su tema. Aunque observar a personas que padecen ciertas enfermedades, o síndromes, puede llegar a ser perturbador.

Una de esas enfermedades que presentan síntomas extraños, aunque no deterioran abruptamente el físico de quien la padece, es el síndrome de Diógenes, que toma su nombre de aquel célebre filósofo griego, quien vivía en una tinaja (o tonel), y llevaba en su mano una lámpara. Ateniéndose a la historia y comparando la vida del filósofo con quienes sufren la enfermedad hay cierta divergencia.

Las personas con tal padecimiento se recluyen en sus casas, tienen la sensación de vivir en la miseria, por lo que acumulan cosas, incluyendo dinero, pensando que les pueden servir en el futuro, se aíslan de la sociedad y descuidan la higiene, algunos conviven con animales; la suma de todo las lleva a vivir en la podredumbre y la mugre.

En 1975 Albert y David Maysles filmaron un documental sobre Edith Ewing Bouvier Beale y Edith Bouvier Beale, madre e hija; tía y prima de la célebre Jacqueline Bouvier Kennedy Onassis. Ellas se recluyeron en su casa y perdieron el contacto con la sociedad, la madre antes que la hija. El documental narra parte de esa vida. En abril de 2009 fue estrenada la película Grey Gardens, realizada para la televisión por HBO.

La película está basada, en parte, en el trabajo de los Maysles; pero a partir de la recreación de las imágenes del documental se utiliza el recurso del flash back, para incursionar en la vida previa de las protagonistas, de esa forma se busca mostrar los eventos que las llevaron a adoptar semejante conducta.

En los papeles protagónicos se puede ver a Jessica Lange (la madre) y a Drew Barrimore (la hija), ambas logran actuaciones excelentes. Cada una se sumerge en su rol y, mientras dura la cinta, se convierten en aquellas mujeres que cambiaron los sueños de grandeza y fama por el aislamiento y la suciedad.

El argumento del filme bordea la crítica a la sociedad estadounidense, aunque en este caso fue la realidad la que se encargó de mostrar lo paradójico de la vida en el jet-set.

Se sabe que ante la falta de reyes y reynas, la familia Kennedy pasó a suplir esa carencia de realeza y fue encumbrada a niveles ridículos; en donde el glamour era lo más importante. Mientras Jacqueline Bouvier se casaba con John F. Kennedy, y después con Aristóteles Onassis, su tía y su prima vivían en la peor de las miserias. Claro que no era su culpa, pero la historia se presta para ejemplificar las luces y sombras de las familias reales.

Grey Gardens, dirigida por Michael Sucsy, es una producción de gran factura y formidables actuaciones. Se le puede reclamar que no profundiza en las motivaciones de los personajes. Fuera de eso, se trata de un producto sólido, que merece la pena ver. Méritos aparte, tiene diecisiete nominaciones a los premios Emmy de este año.

Calificación 8/10

Adaptation

2009-09-07T06:39:00.001-07:00

El trabajo de guionista es uno de los menos destacados en el cine y, comparado con lo que ganan los actores y directores, es uno de los menos retribuidos; lo cierto es que rara vez se puede ver en las marquesinas el nombre de los escritores, lo normal es que el crédito principal, escrito en letras grandes, sea para el protagonista de la película.

De unos años para acá los directores han disputado ese espacio a los actores, claro que eso se da en los de mayor renombre y con influencias en Hollywood: Steven Spielberg, Martin Scorsese, Clint Eastwood, Sam Mendes, M.N. Shyamalan, por mencionar algunos.

Quizá la parte más importante en una película es lo que se cuenta; es decir, el guión. Si se tiene una buena historia existen muchas probabilidades que el resultado final sea agradable al espectador.

En la escena actual se pueden ubicar muy buenos guionistas, pero uno de los más talentosos y originales es Charlie Kaufman. Su primer trabajo, para el cine: Siendo John Malkovich (1999), además de lograrle una nominación al Oscar, le ganó el respeto de la crítica especializada. El filme fue dirigido por, el no menos talentoso, Spike Jonze; juntos crearon una alucinante cinta, en donde por medio de una pequeña puerta, ubicada en el piso siete y medio de un edificio, se podía ingresar a la mente de John Malkovich.

Otros trabajos de Kaufman son: Adaptation, 2002. Confessions of a dangerous mind, 2002, dirigida por George Clooney, con la que no quedó muy feliz, pues según el escritor, el director modificó elementos importantes del guión; Eternal sunshine of the spotless mind, 2003.

Su segundo trabajo en colaboración con Spike Jonze fue Adaptation, nombrada en español: El ladrón de orquídeas. Se trata de una producción alucinante y compleja, pero totalmente lúcida. En ella Kaufman se convierte en el personaje principal, pero se inventa un hermano gemelo. La trama gira en torno a los problemas que Kaufman, como escritor, tiene que afrontar para adaptar el libro de Susan Orlean, el nombre del libro es El ladrón de orquídeas.

Lo difícil de lo narrado es evidente, pero el trabajo del director, de nuevo Spike Jonze, es formidable. Su mérito principal es que logra poner en imágenes el pensamiento del protagonista, quien a ritmo de monólogo interior cuenta la dificultad del trabajo que está realizando.

Otro de los méritos de la cinta es la escogencia de los actores: Nicolas Cage realiza el doble papel de Charlie y Donald Kaufman, situación que le permite mostrar todo su oficio y talento; Susan Orlean es interpretada por, la siempre consistente, Meryl Streep; otro de los personajes principales, John Laroche, el ladrón, está a cargo de Chris Cooper; todos realizan actuaciones dignas de los mayores elogios.

El ladrón de orquídeas es una cinta redonda, en donde todos los elementos se conjuntan para brindar un producto excelente. Quizá no sea fácil digerirla, pues el ir y venir en la temporalidad del relato requiere total atención por parte del espectador.

En esta época, cuando las películas del verano estadounidense han terminado de desfilar y los directores se guardan el cine con pretensiones artísticas, de cara a la carrera por los premios, vale la pena re-visitar esta clase de filme.

Calificación 10/10

Los falsificadores

2009-08-31T06:55:00.001-07:00

El tema de la segunda guerra mundial, el holocausto judío, los campos de concentración, y todo lo sufrido por las víctimas del nazismo, ha dado para llenar kilómetros de celuloide. Todas las historias coinciden en lo monstruoso de aquel suceso, nadie lo puede negar; pero no siempre el cine es capaz de recrear el dolor que pudieron haber experimentado quienes tuvieron que enfrentarlo, en ese sentido, las imágenes siempre se quedarán cortas.

Títulos como: La lista de Schindler, obra maestra, no sólo del tema, también del cine, en general; y El pianista, puesta en escena de la fortaleza del espíritu humano; han logrado alcanzar niveles cercanos a la realidad; aunque también está, en el otro lado del espectro, el tema tratado con irreverencia, pero con tremenda sensibilidad en: La vida es bella.

Abordar tal evento se hace cada vez más difícil, como lo demuestra Los falsificadores, filme alemán producido en 2007, que a pesar de haber cosechado buena cantidad de premios, incluido el Oscar a mejor película en habla no inglesa, sólo por muy poco logra elevar el nivel más allá del promedio, quedando, al final, en intento honesto y técnicamente bien realizado, pero nada más.

La cinta cuenta la historia real de Salomon Sorowitsch (Karl Markovics), famoso falsificador de la época, quien al ser capturado es enviado a un campo de concentración. Días después de su llegada es trasladado a otro campo y confinado a una galera distinta, en donde sus ocupantes tienen algunos privilegios. Él y otros especialistas en impresión y artes gráficas son obligados a falsificar dinero, para llevar a cabo la llamada Operación Bernhard, que consistía en imprimir la mayor cantidad de libras esterlinas y dólares, con la idea de distribuirlos en los países enemigos y hacer colapsar su economía.

Aunque esté basada en hechos reales y eche mano de todos los elementos utilizados por sus predecesoras, la película no logra trascender el umbral del lugar común. Las imágenes remiten, inevitablemente, a lo mostrado por Spielberg, Polansky, Benigni, para citar a los directores de los títulos nombrados arriba. Se puede decir que la crudeza ya no es recurso, que es necesario darle un matiz distinto al sufrimiento, porque la reiteración, lejos de ser un homenaje, hace pensar que el director, Stefan Rusowitzky, optó por ir a lo seguro; es decir, llevar a la pantalla algo ya probado.

No se trata de una producción fallida, las actuaciones son buenas; la dirección de arte reproduce, con alto grado de fidelidad, los escenarios de la guerra; la fotografía confiere los colores necesarios para crear la atmósfera adecuada; sin embargo, el guión carece de diálogos inteligentes y no desarrolla en buena forma a los personajes, lo que redunda negativamente en el conjunto.

Los falsificadores es una cinta con buenas intenciones, pero a duras penas supera el límite del buen cine. Es un ejemplo de como los críticos, académicos y jurados, suelen sobreestimar todo lo que tenga olor a viejo continente.

Calificación 6/10

Persépolis

2009-08-24T06:50:00.000-07:00

La eterna desigualdad entre hombres y mujeres ha tenido como punto de partida el fundamentalismo religioso. La evidencia se puede encontrar en el libro sagrado de cualquier religión.

A estas alturas de la vida, y del mundo globalizado, subsisten prácticas, en todas partes del mundo, que van en detrimento de la mujer. Muchas cosas han cambiado, pero la discriminación persiste, en menor grado quizá, en otros casos veladamente; lo cierto es que, a la fecha, abrirse camino sigue siendo difícil para el sexo femenino.

En general, el cine ha dedicado poco espacio al tipo de películas que tienen como protagonista a una mujer. Historias para contar hay muchas, pero usualmente no son de la preferencia del gran público y como el negocio es primero, entonces se quedan relegadas.

Alejada de las salas cinematográficas y escondida en los anaqueles de algún videoclub, y aún en los sitios de descargas por Internet, aparece Persépolis, producción francesa, de animación, que vio la luz en 2007 y que cuenta la historia de Marjane, una niña iraní cuyos recuerdos empiezan en las postrimerías del gobierno del Sha Mohammad Reza Pahlevi, quien eventualmente es derrocado por la revolución islámica, encabezada por el ayatolah Jomeini.

El filme tiene como telón de fondo el entorno político y religioso del Irán de aquellos años. En la medida que Marjane crece su pensamiento se ve influenciado por: sus padres, su tío comunista, su abuela, el descubrimiento de otras culturas, principalmente la occidental; luego viene el choque con la cultura oficial.

Dentro de tal atmósfera de represión la niña va creciendo y enfrentando su criterio al entorno, por lo que en determinado momento los padres consideran conveniente enviarla a otro país, así empieza otra etapa, una especie de auto exilio en Austria.

En el desarrollo de su discurso, la cinta muestra el régimen de terror que viven las mujeres, en donde cualquier cosa que contravenga los postulados religiosos es vista con ojos de inquisición. Aunque se trate de un relato ambientado en Irán, dentro del fundamentalismo, es posible extrapolar las situaciones a cualquier otro lugar del mundo, por lo que llega a convertirse en algo universal. Por ejemplo, en casi todas las sociedades una mujer que se divorcia debe cargar con el estigma; es común que a ellas les sea más difícil rehacer su vida.

Persépolis es cine adulto, que aborda el tema de la reivindicación de los derechos de la mujer, pero no se trata de cine feminista, ni cine militante, ese es su mayor mérito. Acá las mujeres tienen el protagonismo: la madre abnegada, pendiente de su hija, preocupada porque respete la cultura oficial, pero sin que ello signifique hacer concesiones que la menoscaben. La abuela, divorciada de hace cuarenta y cinco años, con una postura más o menos ambigua frente al régimen; sin embargo, su vida gira en torno a realizarse como mujer, por eso nunca deja de cultivar su feminidad; ella es rebelde, pero no está dispuesta a sacrificar su condición de género.

La película está basada en las novelas gráficas de Marjane Satrapi. Es codirigida por la propia Marjane y Vincent Paronnaud, ellos también escribieron el guión.

Calificación 9/10